domingo, 18 de noviembre de 2012

Cecilia (1970 - 1976)



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Evangelina Sobredo vivió una infancia cargada de traslados. Durante su niñez, su padre, diplomático de profesión, estuvo destinado en Gran Bretaña, Estados Unidos, Portugal y Jordania. Desde pequeña se aficionó a la música, simultaneando el español y el inglés en sus canciones y primeras composiciones. A su regreso a España, estudia la carrera de Derecho. En la universidad madrileña conoce al pope del folk español, Joaquín Díaz. Éste le pone en contacto con otros dos músicos importantes: Nacho Saenz de Tejada y Julio Seijas, que formaban parte de Nuestro Pequeño Mundo y Aguaviva respectivamente. Juntos graban un single en 1970 bajo el nombre de Expresión. Aquella aventura dura apenas unos meses. En el descanso de una actuación en la sala JJ en la que hacía coros para Canarios, toma el micrófono y canta su tema “Portraits and pictures”. La escucha Tomás Muñoz, director de la CBS, recién instalada en España y la ficha inmediatamente. Cambia su nombre por el de Cecilia en honor a un tema de Simon & Garfunkel, muy en boga por aquellas fechas.

Cecilia odiaba aparecer como una niña bien de clase alta y recurría a un lenguaje plagado de tacos que intentaba disimular su esmerada educación en elitistas centros religiosos de medio mundo. Su primer single “Mañana / Reuníos” (CBS, 1971) se escucha por las emisoras sin alcanzar demasiado éxito. Precisamente la canción de la cara B de este disco es una petición a la reunificación de The Beatles. Ni el sello ni la cantante se desaniman.

El disco pasó desapercibido en el mercado, aunque no tanto en la radio. Sirvió como tímida puesta en sociedad de la cantante. Hoy día es un single muy cotizado por los coleccionistas por lo que supone tener en la mano el primer disco de la que poco después iba a convertirse en un icono de la música española.

Al año siguiente aparecerá su primer long play precedido de un single cuya cara B es “Dama, dama”, una crítica contra la hipocresía de una determinada clase social. El triunfo es rotundo. Ese single ocupa durante dos semanas en el nº1 del top nacional.

Uno de esos discos mágicos que con solo dos temas consagra a una cantante. Cecilia canta con esa fuerza que ya no la va a abandonar hasta su final. El disco preludia la aparición de su primer LP, que se pondría a la venta unas semanas más tarde. Este sencillo ocuparía durante dos semanas el primer puesto de ventas en España en el otoño de 1972.

El álbum “Cecilia” (CBS, 1972), con arreglos de Juan Carlos Calderón, la convierte en una de nuestras cantantes más conocidas. Temas como “Fauna” o “Señor y dueño” definen su rebeldía feminista y la crítica a unas costumbres sociales y a una forma de vida que se desmoronaba por momentos en los últimos años del franquismo.

En 1973 aparece su LP más íntimo “Cecilia 2” (CBS, 1973). Una mirada hacia su propio interior con sus frustraciones, dudas, recuerdos y tristezas más profundos. Esta vez los arreglos son menos aparatosos que en el anterior y corren a cargo de Pepe Nieto. Se ha definido este disco como uno de los más tristes jamás editados por una cantautora. Temas premonitorios como “Me quedaré soltera” o “Con los ojos en paz”, apologías del suicidio como “Si no fuera porque…”, recuerdos anclados en algún lugar del alma como “Cuando yo era pequeña” o temas antibelicistas como “Un millón de sueños” configuran la obra más personal de la cantante. Este disco no alcanza las cifras de ventas del anterior, aunque hoy es considerado por muchos como el mejor de la discografía de Cecilia.


Cecilia 2 - 1973

1975 va a ser el gran año de la cantautora madrileña. Es designada para representar a España en el festival de la OTI con el tema propio “Amor de medianoche”. Recibe presiones, que no acepta, para modificar su letra por parte de TVE y cumple a regañadientes el encargo de defender a la televisión española en Puerto Rico. Finalmente alcanza un segundo puesto.

Cecilia iba a obtener su mayor éxito comercial con el LP “Un Ramito de Violetas” (CBS, 1975) y su single homónimo, que se va a colocar durante cuatro semanas en el escalón más alto del hit parade. Además de este ramito, contiene canciones básicas en la historia musical española de aquella década, como “Mi querida España” o “Don Roque”. Las letras plantean una crítica cargada de ternura a las costumbres sociales de su época. Cecilia se encuentra en su mejor momento creativo y comparte vida y música con su pareja, Luis Gómez Escolar, ex-componente de Aguaviva, que había publicado un LP en solitario bajo el nombre artístico de Simone. Era ya la indiscutible gran figura femenina de la música española, tomando el testigo de dos cantautoras básicas en la evolución de la música de nuestro país: María Ostiz y Mari Trini. Su productor, José Luis de Carlos, la recuerda como una compositora explosiva que se sentaba a escribir y las canciones le brotaban con naturalidad, sin esfuerzo.





Justo en su mejor momento, en medio del trajín de galas veraniegas, actúa en la sala Nova Olimpia, de Vigo. Nada más terminar su actuación monta en un coche con sus tres músicos para regresar a Madrid. Hacia las 6 de la mañana en la pequeña población zamorana de Colinas de Trasmonte chocan contra una carreta de bueyes sin luces. El batería Carlos de la Iglesia y Cecilia fallecen. Le faltaban un par de meses para cumplir 28 años. En 1983 aparecerá su LP “Canciones Inéditas” (CBS, 1983) que recoge algunos temas con letra de Valle Inclán en los que estaba trabajando en el momento de su muerte y otras canciones que fueron descartadas de discos anteriores. Posteriormente se han publicado otros discos recopilatorios y uno más de dúos necrófagos junto a cantantes famosos.

Cecilia es parte de la mejor historia de la música española. Su sensibilidad, su rebeldía, su dulce protesta feminista y sus composiciones inolvidables la convierten seguramente en la más grande cantautora que ha dado nuestro país. La universalidad de sus músicas y de sus letras se pone de manifiesto cuando vemos que artistas tan dispares como Manzanita, Mocedades, Julio Iglesias, Fangoria, Rocío Durcal, Manolo Tena, Le Mans, Rosario Flores y un largo etcétera han grabado sus composiciones.

Fuente: Julián Molero - Lafonoteca.net


sábado, 14 de julio de 2012

Los Stop (1966-1969)



Uno de los más populares grupos que en los años 60 nacieron en la Ciudad Condal fue Los Stop. Lo suyo eran las canciones alegres, refrescantes, sin complicaciones, con una buena dosis de pachanga y alejadas de cualquier veleidad moderna.

El grupo se forma hacia 1964 con el nombre primigenio de Donald Duck y su principal reclamo era la guapa chica que tenían como cantante, autobautizada Cristina, aunque su verdadera nombre es María del Carmen Arévalo. Poseía una potente voz de gran fuerza y timbre descarado que pronto la hizo destacar. Como todo conjunto en formación sufre cambios y se va fogueando en bailes y fiestas populares. En 1966 la casa Belter se fija en ellos tras ganar un concurso radiofónico. Pero el nombre no gusta a sus nuevos jefes y es cambiado por Los Stop, que al fin y al cabo era una de las pocas palabras inglesas entendidas por el común de los españoles. Para entonces, el conjunto lo integran, además de Cristina, Joan Comellas, Josep María Serra, Andrés Gallego y Fernando Cubedo. Belter era por entonces el sello que albergaba los intérpretes más populares para un público de escasas exigencias estéticas. Su objetivo de marca era casar lo cañí y lo moderno en un solo producto. Por allí andaban, entre otros, Conchita Velasco, Los 4 de la Torre, Los 3 de Castilla y su gran estrella, Manolo Escobar.

El primer disco de Los Stop contiene cuatro versiones de éxitos internacionales: “El Último Tren a Clarksville / El Forastero Mr. James / Catedral de Winchester / Un Hombre y una Mujer” (Belter, 1966). Se escucha bastante por radio y ayuda bastante al despegue del grupo.

Enseguida van a ganar el Festival de Fortuna, un evento de segunda fila con la canción “Casi Nada” (Belter, 1967). El sello se da cuenta que tiene entre las manos un excelente negocio y saca al mercado discos y más discos de Los Stop. Algunos de estos discos traen grabaciones repetidas, pero en apenas unos meses se convierten en un conjunto puntero.

Ese mismo año van a conseguir dos éxitos consecutivos de grandes proporciones: “Tres Cosas (Salud, Dinero y Amor)” (Belter, 1967) y “El Turista 1.999.999” (Belter, 1967), con el que participarán en el Festival de Mallorca. Ambas competirán por el título de canción del verano y venderán ejemplares a porrillo. Precisamente por el último de los citados recibirán el Premio de Cultura Hispánica, a pesar de haber pasado a los anales como una de las canciones más horteras de la historia de la fonografía española. Por si todo este trajín festivalero y discográfico fuese poco, participan en la película “Pero en qué País Vivímos” (José Luis Sainz de Heredia, 1967) en el que hacen de grupo de acompañamiento de Conchita Velasco.

Hace falta tener buenos pulmones y dicción de metralleta para meter veinte sílabas en dos compases; sin embargo, Cristina lo conseguía en su inefable “El turista 1.999.999” diseñada a mayor gloria del turismo desarrollista patrio. Cómo sería la cosa que al grupo le concedieron el Premio de Cultura Hispánica, algo así como el marchamo oficial de la cultura patriotera de la época. A punto estuvo de ganar el Festival de Mallorca, 1967 con un jurado compuesto por capitostes hoteleros y concejales de festejos de los principales municipios baleares. La canción es para enmarcarla como uno de los iconos del kistch nacional. Mala de solemnidad, pero como había que hacer patria, se vendió la mar de bien.

El contrapunto figuraba en la cara B con una versión aseada en las voces y grimosa en la instrumentación del “Happy together” de los californianos The Turtles.

“Salud, dinero y amor” con este single, Los Stop van a vender lo que no está en los escritos. ¿Quién no ha cantado alguna vez esta canción? Nº 1 absoluto de ventas durante una semana y casi canción del verano 67 para este tema compuesto por Rodolfo Sciamarella, que ya había compuesto antes para este grupo “El turista 1,999,999”. La canción tiene un acompañamiento tan pobre como alegre y Cristina hace la interpretación llena de descaro que el tema requiere. Fue un auténtico referente comercial de los 60 y su ocurrente letra sirve lo mismo para gestionar una crisis, que para celebrar un triunfo.

En la cara B, Los Stop nos proponen un nuevo baile llamado “El remo”, con el órgano presidiendo las operaciones, como en casi todos los temas del grupo. Un ritmo navegable, cuyos pasos son fáciles de imaginar para una mente tirando a calenturienta.

Fabrican discos como churros, destacando su buena versión de “Molino al viento”, original del italiano Little Tony. En enero de 1968 ponen en la calle su primer largo: “Los Stop” (Belter, 1968).

Los Stop van a cerrar su prolífico y gran año 1967 con este EP que aporta tres interesantes temas a su discografía y que viene completado por el buque insignia de su repertorio: “Salud, dinero y amor”, a la que se modifica ligeramente el título respecto a su primera edición. Probablemente se trata del EP más completo de toda su carrera.

Buena versión del buen tema “Molino al viento”, que popularizó el italiano Little Tony y que va como anillo al dedo a las características vocales de Cristina. Un buen tema comercial que siempre me gustó especialmente por su contagiosa alegría y su estribillo pegadizo. También fue grabada por Los Mustang; sin embargo, esta vez Los Stop lo bordaron.

Vuelven a ser serios aspirantes al disco del verano con: “Yo te daré". Son dos años trepidantes en los que el conjunto no tiene ni un día libre.

Los Stop versioneaban todo lo versioneable y no dejaron pasar la ocasión de hacer su propia lectura del aclamado triunfo eurovisivo patrio. Con ese “La, la, la” encabezaron este sencillo; sin embargo pocos iban a reparar en este asunto, por otro lado muy parecido en voces y arreglos a la versión de Massiel. La sorpresa esperaba en el otro lado. La canción elegida para cara B iba a convertirse en uno de los hitos del grupo y, de paso, en una de las más escuchadas en aquella primavera-verano de 1968.

“Yo te daré” es un tema popular del folclore gallego que ellos reciclan en una pachanga pop con todos los aditamentos de las charangas festivas. La habitual voz potente, coros a piñón fijo, vientos de verbena y una nueva visita de Cristina y sus chicos a los puestos de honor del hit parade.

A finales de ese año surgen algunas desavenencias y la atractiva Cristina lo abandona. Algunos de los chicos siguen en el barco y aún grabarán algún disco más con una nueva cantante llamada Miriam. Por esa razón su vocalista y líder no puede usar el nombre que ella más que nadie ha contribuido a difundir, formando el grupo Cristina y Los Tops. Pronto comenzará una larga carrera en solitario.

Los Stop en sus dos años de trepidante existencia fueron la avanzadilla de otros grupos catalanes de pachanga y música fácil que triunfaron justo cuando ellos se iban, como fueron Los Diablos, Los Albas y un largo etcétera. La actividad destajista a la que se vieron sometidos los quemó con gran rapidez sin permitirles ningún tipo de evolución.

Fuente: Julián Molero - Lafonoteca.net

Los Stop - Yo Te Daré



Los Stop - Tres Cosas


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jueves, 12 de julio de 2012

JOAN MANUEL SERRAT (1965-2012)



Joan Manuel Serrat nació el 27 de diciembre de 1943 en Poble Sec (Barcelona), en el seno de una familia obrera de la postguerra española.

Cursó estudios de Perito Industrial a la vez que tocaba la guitarra. En 1964 se presenta en un programa de Radio Barcelona para interpretar una de sus canciones. Poco tiempo después le llaman para ofrecerle un contrato y grabar su primer disco.

La historia musical de Joan Manuel Serrat comienza con este EP. Gracias al director del programa Radioscope de Radio Barcelona, Salvador Escamilla, Serrat contacta con Josep Espar i Ticó. Josep era el fundador del, por entonces, pequeño sello Edigsa en el cual grababa a artistas que cantaban en catalán. Como podemos comprobar en la portada Joan Manuel ya pertenecía a Els Setze Jutges siendo el decimotercer miembro de este colectivo del que salieron cantantes tan capitales como Maria del Mar Bonet, Lluis Llach, Francesc Pi de la Serra o Guillermina Motta.

Para su grabación Serrat cuenta con la ayuda de Marc Blond, como director de orquesta, y Salvador Gratacòs, que ejercería como director técnico de sus primeras grabaciones.

En este EP nos podemos encontrar las heridas sentimentales dejadas por los amores adolescentes. Aquél que recordamos por un simple objeto como en el caso de “El mocador”, o del sabor agridulce al ver que se aleja de nosotros sin que podamos hacer nada como en “Ella em deixa”. Tema que es la primera composición de Serrat. Ambas canciones serán recuperadas en el recopilatorio “Encontre” (Edigsa, 1980).

Para completar este EP nos encontramos con las canciones más personales. “Una guitarra”, el tema más difundido de esta grabación, nos habla de los sentimientos que le produjo cuando su padre le compró su primera guitarra y de lo que hasta esos momentos vivió con esa amiga fiel; y “La mort de l’avi”, su particular homenaje al mar y a los marineros con cierta crítica social. Estos dos temas serán incluidos en su primer largo “Ara Que Tinc Vint Anys” (Edigsa, 1967).

Una Guitarra - El Mocador - La Mort de Lávi - Ella em Deixa - Serrat

Al año siguiente acaba sus estudios de perito agrónomo y se matricula en la facultad de ciencias biológicas, en la cual cursó hasta tres años. Graba un segundo EP “Ara Que Tinc Vint Anys” (Edigsa, 1966). Debido al gran éxito obtenido, Serrat se decide finalmente por la canción.

Joan Manel Serrat - Ara que tinc vint anys (1967)

Serrat fue uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la 'Nova Cançó' catalana. En 1968 se anuncia que Serrat será el representante de España en el Festival de Eurovisión, con el tema 'La, la, lá', un guiño de la dictadura a las nuevas generaciones rebeldes. Pero esas generaciones no se dejan comprar fácilmente y Serrat anuncia que no actuará si no le permiten cantar en catalán, lo que le valió un prolongado veto en la televisión nacional. Su puesto en el Festival fue cubierto por una jovencísima Massiel que se llevó el premio con el mismo tema de Serrat. En 1969 nace su primer hijo, Queco y realiza su primera gira por sudamérica, repitiendo un año después. Publica un disco titulado 'Dedicado a Antonio Machado' y en 1970 'Mi niñez'.

Después de una triunfal gira por Latinoamérica, Serrat rápidamente entra a grabar un nuevo disco, esta vez cantado en castellano. El salto cualitativo respecto a su anterior trabajo en este idioma es considerable ya que nos encontramos a un Serrat mucho más maduro y seguro de sí mismo. Es el último de la primera etapa que contó con arreglos y dirección musical de Ricard Miralles, no volverían a reencontrarse hasta 1974 en el disco “Canción Infantil” (Zafiro / Novola, 1974). Pero antes de esto aquí nos dejo un magnífico trabajo.

Este álbum está lleno de clásicos de la discografía serratiana, quizás por encima de todas la más conocida sea “Señora”. Tema vigoroso y vitalista nos presenta a un Serrat truhán y mordaz que canta a una suegra. Una suegra que representa a los valores tradicionales de la dictadura y es presentada burlonamente con un texto rebosante de ironía. No será el único tema que nos presente al Serrat más incisivo ya que también está en “Muchacha típica”, caricatura de una niña aristócrata llena de humor, o “Fiesta” ejemplo de unificación de las clases sociales para al final volver a la hipocresía con la que viven habitualmente.

Señora - Joan Manuel Serrat 1970


También nos encontramos con las canciones más autobiográficas e íntimas. Con una de ellas comienza el álbum, la homónima "Mi niñez". En ella recuerda a sus mascotas, los veranos en Aragón o esos primeros amores. En contraposición tenemos "Si la muerte pisa mi huerto", donde se pregunta cómo será el mundo cuando fallezca pero sin sonar derrotista, tema muy influenciado por la chanson francesa. También sobre la muerte y la huida habla en "Cuando me vaya". Pero si en discos pretéritos la huida significaba una búsqueda de libertad aquí hay más dramatismo en sus palabras.

No podían faltar canciones sobre las relaciones sentimentales, y aquí nos podemos encontrar con "Los debutantes", sobre los primeros juegos amorosos; y "… De cartón piedra", sobre una pasión arrebatadora donde Serrat por primera vez introduce elementos musicales sudamericanos que serán más habituales en su posterior carrera. "Como un gorrión" es un tema dedicado a una muchacha que en Madrid se presentó ante Serrat con esas palabras. Aquí el Nano nos canta las desventuras de una chica para abrirse paso en el mundo del espectáculo de una manera dulce en contraposición a lo que se ronda por ese mundo.

Mi Niñez - Serrat 1970

A finales de 1970 se encierra en el Monasterio de Montserrat, en Barcelona, junto a un buen puñado de intelectuales y artistas, en señal de protesta por el proceso de Burgos y en contra de la pena de muerte.

En 1971 publica uno de sus discos más importantes: 'Mediterráneo'. Para entonces Serrat se había convertido en uno de los principales símbolos de la libertad, tanto en España como en América Latina.

¿Qué decir de un álbum del que ya se ha dicho todo?. De un disco en el que, en general, tanto crítica como público siempre ubica en los puestos más altos de las listas de los mejores discos de la historia de la música española. Algo inusual pero es que este “Mediterráneo” (Zafiro / Novola, 1971) tiene una fuerza del que es imposible escapar. Fue largo y difícil el camino. Cansado de todas las presiones sufridas en los años anteriores Serrat emprende una gira por Latinoamérica que dura cinco meses. Durante dicha gira ve el cariño recibido por el pueblo latinoamericano en sus conciertos y se encierra durante unos meses para componer estos diez temas. Diez temas que son la esencia de Serrat. En ellas encontraremos sus deseos y anhelos, sus pensamientos y su estilo de vida, su pasado y su esperado futuro. “Mediterráneo” (Zafiro / Novola, 1971) es Joan Manuel Serrat.

Mediterráneo - Joan Manuel Serrat 1971

Un año después vuelve a rendir tributo a uno de los grandes poetas de las letras hispanas: 'Miguel Hernández' es el título. Finalmente, en 1974 se le retira el veto en Televisión Española.

En 1975, a raíz de unas declaraciones suyas, tuvo que exiliarse durante un año, debido a la orden de busca y captura que se emitió contra él. Además, muchos de sus trabajos fueron retirados y censurados con el régimen.

En 1981 publica 'En tránsito', con el que consigue situarse en lo más alto de las listas españolas.

"En Tránsito" (Ariola, 1981) supone el reafirmamiento del camino tomado en "1978" (Ariola, 1978) y "Tal Com Raja" (Ariola, 1980). El título, como podemos ver en la foto con Serrat en un aeropuerto, indica el tiempo pasado en aviones, coches y demás medios de locomoción en los viajes de las giras y demás, más que indicar un período de cambio. El álbum tuvo un gran éxito llegando a ser número uno de ventas, más que por el disco en sí por los grandes singles que tuvo.

No hago otra cosa que pensar en ti - Joan Manuel Serrat 1981

En 1983 sale a la luz 'Cada loco con su tema' y realiza una gran gira por Sudamérica excepto en Chile, donde es censurado por Pinochet.

Con este "Cada Loco Con Su Tema" (Ariola, 1983), aún siguiendo en la línea continuista de los últimos discos, Serrat se vuelve más esperanzador y vitalista. Es un álbum alegre y vivo que mejora notablemente los resultados con respecto a grabaciones anteriores. También mejora a nivel instrumental, no en la ejecución sino en eliminar los excesos instrumentales de canciones pasadas. Para contribuir más a este cambio destacar la portada hecha por el pintor Manel Anoro.

Cada loco con su tema - Serrat 1983

Tras Antonio Machado y Miguel Hernández, el siguiente escritor que musicaliza es al poeta uruguayo Mario Benedetti que colabora con el cantautor en la grabación. El resultado es "El Sur También Existe" (Ariola, 1985) que tendrá un especial para RTVE con guión de Manuel Vázquez Montalbán y la colaboración especial del periodista Fernando García Tola. Tras la extensa gira por toda Latinoamérica Serrat decide pasar unos meses descansando en Brasil. En ese tiempo graba el disco “Sinceramente Teu" (Ariola, 1986) en el que incluye revisiones de antiguos temas del cancionero serratiano en portugués y cuenta con la ayuda de músicos locales como Toquinho, Gal Costa, Caetano Veloso o Maria Bethânia.

El Sur También Existe - Serrat 1985

A su regreso graba el álbum "Bienaventurados" (Ariola, 1987) que también alcanza el puesto más alto en las listas de ventas en España. A pesar de ser un éxito de ventas fue el primer disco discutido seriamente por la crítica pero si por algo es destacable esta grabación es por ser la última del tándem artístico Serrat-Miralles. Participa activamente en el Plebiscito nacional chileno de 1988 a favor del no. Dicho plebiscito con la consiguiente victoria del no, condujo a Chile de retorno a la democracia.

Bienaventurados - Serrat 1987

"Nadie Es Perfecto" (Ariola, 1994) es el segundo álbum del Serrat de los 90, es el disco que graba después de un año sabático.
Antena 3 emite el concierto, con motivo del lanzamiento de dicho disco, que el Nano da en el Palacio de Congresos de Madrid. Para celebrar su quincuagésimo cumpleaños, recibe un homenaje en forma de tertulia organizada por la Cadena SER y la librería madrileña Crisol. Dicho encuentro reunió a destacados miembros de la cultura, el periodismo y las artes. Para pocos meses después participar en otro homenaje, a Ovidi Montllor que fallecerá al año siguiente. En dicho evento participaron además del Nano, Francesc Pi de la Serra, Raimon, Maria del Mar Bonet, o Marina Rossell entre otros.

Nadie Es Perfecto - Serrat 1994

En 1996 se une a Victor Manuel, Ana Belén y Miguel Ríos para realizar una gira por toda España en el espectáculo titulado 'El gusto es nuestro', obteniendo un éxito apoteósico en todas las ciudades en las que actuaron.

"El Gusto Es Nuestro" era el nombre de una gira proyectada por Víctor Manuel en en que él y otros tres intérpretes -en un principio, Miguel Ríos, Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina- cantasen temas emblemáticos del resto de compañeros. Sabina finalmente no participó y en su lugar apareció Ana Belén, añadiendo un contrapunto al conjunto masculino. Esto lo acercaba al modelo ya hecho dos años antes en "Mucho Más que Dos", concierto, posterior gira y doble álbum de Víctor y Ana en el que se acompañaron para interpetar sus canciones con otros artistas, incluyendo sus dos compañeros en esta gira. Sin embargo, aquí la cosa era distinta, pues el modo en que se ideó aseguraba la equidad presencial y el protagonismo de todos y cada uno de los componentes en algún momento, ya fuese por su presencia o porque cantaban alguna canción suya. Lo que ahora se llama paridad. Esto queda representado en la portada en la que los nombres de los cantantes se muestran en orden distintos al que aparecen en la fotografía.

Hoy puede ser un gran dia - Ana Belen, Miguel Rios, Victor Manuel y Joan Manuel Serrat 1996

El resultado final de esta gira fue un enorme éxito que les llevó incluso por Latinoamérica. El disco vendió igualmente miles de copias y supuso un acotecimiento musical y discográfico de aquella época. Víctor Manuel, el ideólogo, también publicó libro, el diario de gira, de éxito. Posteriormente Víctor y Ana repitieron una experiencia similar con "Dos en la Carretera" y Miguel y Ana volvieron a grabar juntos un álbum, "Cantan a Kurt Weill" (RCA, 1999).

Tras unos años de altibajos en el lanzamiento de discos, Serrat graba el notable "Sombras de la China" (Ariola, 1998). Un álbum dedicado a su amigo Tete Montoliú que pocos meses antes había dejado este mundo. En él con la inestimable ayuda de Josep Mas “Kitflus” explota todos los pros de trabajos previos para lograr un disco homogéneo y notable que cuya presentación en directo es un espectáculo interactivo algo nunca visto en el barcelonés. La gira será extensísima por lo que Joan Manuel se tomará un largo descanso a su finalización. Seguramente uno de los momentos que más recordará el Nano ese mismo año es cuando en los actos conmemorativos del centenario de la fundación de su equipo, el F.C. Barcelona, Serrat canta el himno desde el césped del Camp Nou.

Más que a nadie - Serrat 1998

Por fin, después de muchos años el maestro Miralles vuelve a trabajar con Serrat en los arreglos y la orquestación de los temas que componen el álbum, 'Versos en la boca', del año 2002, una colaboración que décadas atrás produjo verdaderas obras maestras de la música española.

El álbum se inicia con toques flamencos. Para ello Serrat cuenta con la inestimable ayuda del Niño Josele a la guitarra, en un tema que compuso junto al escritor barcelonés Tito Muñoz. "De cuando estuve loco" abre un disco de búsqueda de uno mismo, de una exploración interna en busca de sus propias sensaciones. No será el único tema no compuesto exclusivamente por él. El corte que cierra este disco "Señor de la noche" está escrito por el poeta granadino Luis García Montero y "La mala racha" coescrito con el escritor uruguayo Eduardo Galeano.

Es caprichoso el azar - Serrat con Noa

Un año más tarde, en el 2003, aparece "Serrat Sinfónico". Serrat sinfónico es un proyecto que Joan Manuel Serrat tenía pensado desde hace tiempo: una selección de algunas de sus canciones más significativas grabadas con una gran orquesta sinfónica. Con arreglos y dirección de Joan Albert Amargós y acompañado por la Orquesta Sinfónica de Barcelona i Nacional de Catalunya, Serrat ha revisado canciones como Mediterráneo, Cantares, Canço de matinada, Pare, Mi niñez... y un Ara que tinc vint anys (Ahora que tengo veinte años) rebautizado como Fa vint anys que dic que fa vint anys que tinc vint anys (Hace veinte años que digo que hace veinte años que tengo veinte años).

El único directo oficial que habíamos podido disfrutar del cantautor barcelonés fue "En Directo" (Ariola, 1984) por lo cual se hacía casi imprescindible grabar otro concierto más. Pero esta vez tendrá a su disposición una orquesta para sí solo que funcionará de compañía y de modo introductorio en todos los temas. El álbum fue grabado con la Orquesta Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya los días 8, 9 y 10 de Septiembre de 2003 en L'Auditori de Barcelona, amén de contar también con su amigo Ricard Miralles al piano.

En él Serrat incluye temas donde repasa toda su carrera, nos podemos encontrar su primer gran éxito "Cançó de matinada", la incombustible "Mediterráneo" o la lorquiana "Cantares". La canción que más llama la atención es "Herido de amor". Dicho tema está compuesto por Serrat con la letra de un poema de Federico García Lorca pero nunca había sido grabada por él; sino que se lo cedió a Ana Belén para su disco"Lorquiana. Poemas de Federico García Lorca" (Ariola, 1998). Aquí lo podemos escuchar por primera vez de su boca.

Fat vint anys que tinc vint anys - Serrat 2003

En el 2006 Serrat vuelve a lanzar un nuevo disco en catalán, "Mô". Contiene 12 canciones propias y cuenta con el valor añadido de un DVD con 9 canciones del álbum en versión acústica y comentarios personales. "Mô" es un homenaje a Mahón, ciudad con la que Serrat mantiene una estrecha vinculación, no solo por que allí pasa largas temporadas, si no también por que es el lugar donde han nacido muchas de sus creaciones musicales. "Mô" es un álbum variado, "sonoro y cacofónico" según el propio Serrat, una colección de historias que hablan de ciudades y de amigos, de mares y mujeres, de complicidades y recuerdos, de encuentros y huídas, volando por encima de músicas, idiomas y generaciones.

Mô - Serrat 2006

En 2007 se une con Joaquín Sabina en la gira "Dos Pájaros de un Tiro" (BMG, 2007). Para ello ninguno de ellos renuncia a sus músicos más allegados, aquellos en los que más confían y que siempre salen de gira con ellos. Gente como Pancho Varona, Ricard Miralles, Antonio García de Diego, Víctor Merlo, etc. que han girado con ambos artistas durante un montón de años.

Aquellas pequeñas cosas/Ruido/El muerto vivo - Serrat con Sabina 2007

El concierto está grabado lo días 18, 19 y 20 de octubre de 2007 en el Palacio de los Deportes de Madrid y tiene como contenido extra un DVD con un documental sobre los entresijos de la gira y una parte de dichos conciertos.

Pero Serrat no para y sigue igual de ambicioso que siempre. Debido al gran éxito logrado con la gira "Dos Pájaros de un Tiro", Serrat y Sabina vuelven a salir a la carretera para hacer otra gira juntos. Pero esta vez no cantarán sólo temas antiguos sino que su nuevo disco "La Orquesta del Titanic" (Sony, 2012) se compone exclusivamente de temas compuestos para la ocasión.

Canción de Navidad - Sabina y Serrat 2012

Fuentes: Varias, en especial: Lafonoteca.net


JUAN MANUEL SERRAT - La Paloma - LP- (1969

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jueves, 31 de mayo de 2012

Juan Pardo (1969-2001)



El 6 de enero de 1969, Juan Pardo debutó como cantante solista. Después de haber compartido escenarios con Los Vándalos, Los Pekenikes, Los Brincos y de Antonio Morales, con el que formo el extraordinario dúo Juan y Júnior. Triunfó total. Juan salió al escenario bien arropado por un grupo estupendo, entre quienes se encontraba el magnifico batería Manolo Varela, el guitarra sensacional, Berry...

Juan Ignacio Pardo Suárez nace en Palma de Mallorca, un 11 de noviembre del año 1942, Juan nace en la bella isla mallorquina que es cuna de artistas; es gallego de adopción y con raíces en esta artística "Tierra celta" por parte materna y lo que siempre se obvia: tiene conexiones con Andalucía (Cádiz) a través de la familia paterna D. Carlos Pardo, su padre.

El inicio de la carrera artística de Juan, se sitúa en el año 1962.

Y comenzó, además, siendo un " rockero ": primero en solitario, luego perteneciendo a grupos como "Los Vándalos" , "Los Relámpagos", "Los Pekenikes", "Los Brincos" y "Juan y Júnior".

Después de su breve (pero muy exitosa) pertenencia al dúo artístico "Juan y Júnior", independizado de "Los Brincos", pronto empiezan las desavenencias con Júnior por motivos de diferencias de carácter y decide lanzarse a una carrera en solitario, los críticos dijeron a la separación del dúo: " ...La carrera en solitario de Júnior está más que clara... pero la de Juan Pardo presenta muchas incógnitas..." (?????). Muy curioso e interesante este comentario, visto lo sucedido después.

Juan Pardo con Los Relámpagos 1963

De acuerdo con el historiador José Ramón Pardo, cuando por primera vez Juan Pardo acudió al estudio de grabación con Los Pekenikes (todavía un grupo vocal), el grupo no había informado a la compañía, Hispavox, del cambio de cantante, lo que dio lugar a una curiosa anécdota. Al cabo de un buen rato de grabación, el director artístico de la compañía llamó aparte a Alfonso Sainz, líder de la banda, y le dijo: "Mira, volved a llamar a Junior. Ese chico que habéis traído no sirve para cantante y jamás hará carrera". Por supuesto, "ese chico" era Juan Pardo y, por cierto, finalmente no cantaría en el disco. Eso le permitiría grabar con Philips un disco con su banda, Los Teleko (Juan Pardo y su conjunto), aunque finalmente no tocarían ellos, sino los omnipresentes Relámpagos.

Después del EP grabado con Los Relámpagos, también en 1963, Los Pekenikes cuentan con Juan Pardo como vocalista. Aquí incluyen versiones de famosos éxitos internacionales, como “Da doo ron ron” o “La bamba”, así como una adaptación de uno de los primeros éxitos de The Beatles, “She loves you”.La letra de “Ella te quiere”, da bastante el pego.

Los Pekenikes con Juan Pardo 1963

Pero en solitario, en el año 1969, logra con "LA CHARANGA", con una duración de 6 minutos, (nada normal para un single, de la que existe una versión en gallego y otra en castellano), un éxito que no se esperaba, y que fue el inicio de una carrera en solitario que llega hasta nuestros días. Muchos otros intentaron este camino con mayor o menor éxito, pero éste fue el año de Juan Pardo, nadie logró superarle en las listas de éxitos en este mismo año (1969), aparece su primer trabajo de larga duración, el LP: "JUAN PARDO", editado por Zafiro, y producido por David Pardo (nada que ver con su familia), era un productor inglés que se apellidaba así por pura coincidencia y fue más una imposición de la casa de discos, ante un artista novel y en principio poco experimentado, y todo hay que decirlo, ni la propia discográfica confiaba mucho en él.

Juan Pardo - La Charanga 1969

Disco que es una verdadera "joya" en su sencillez y frescura, imposible de encontrar hoy día: Con temas como "Busca un amor" (compuesto para FÓRMULA V, aunque Juan presenta aquí su propia versión con letra distinta) "Barcelona", "Canciones", "Mi Lady" (una preciosa "nana"), "Flamenco blues", etc., Juan, estaba a la búsqueda de su propio estilo, en este disco.


Durante el año 69-70, también realizó un espectáculo músico-teatral en Madrid, con Karina figura en alza por aquella época y de la que incluso existe algún tema grabado a dúo. Como todo lo de esta época, difícil de localizar.

El Ritmo De La Lluvia - Juan Pardo y Karina

Le sigue el Long Play "SOLEDADES" en el 71, en el mismo sello, con temas tan acertados como "Un año más", "Quise por querer" y la canción título del LP.

Soledades - Un Año Más - Juan Pardo

Durante el 69 y 70, lanza varias canciones en formato de "single" que, escalaron lo más alto de las listas de aquélla época y que fueron muy populares, como: "Cuando te enamores", "Toros en Méjico", "Meu Ben Dorme", "A Marián Niña", "Leonor"...

Cuando Te Enamores - Juan Pardo

En 1972 lanzó el LP "Natural" fue no de los mejores discos de la dilatada carrera de Juan Pardo, la portada, completamente blanca, con la única excepción del nombre del autor y del título del disco troquelado en negro, así como el folleto interior que incluía las letras de las canciones, representaban otra novedad en el mercado discográfico español. También era el primer disco que editaba el sello Erika, del que el propio Juan era copropietario.


CARA A:
I AM (Prologue) 1:50
NATURAL (I) 3:00
WHERE IS LOVE? 3:03
MY ONE WAY FRIEND, JOANNE 3:03
HOW'S THE WORLD 2:15

CARA B:
COME BACK 5:20
HIROSHIMA 3:35
COUNT ON ME 2:26
NATURAL (II) 3:13


Letra y Música: Juan Pardo

Dirección Musical: Adolfo Waitzman y Reg Guest
Ingeniero de Sonido I.B.C.: Michael Claydon
Ingeniero de Sonido Trident: Robin Geoffrey Cable
Técnico de la cortadora de Trident: Bob Hill

Natural - Juan Pardo 1972

Así mismo, durante esta época (principios de los 70), se dedica a promocionar y lanzar a nuevos artistas, con canciones aportadas por él en muchos casos, demostrando su generosidad y el poco miedo a la competencia, entre los que se encuentran Marisol, Andrés Do Barro, Camilo Sesto, Juan Camacho, Emilio José, Peret ("El borriquito")... y más adelante (en los 80): Iván, Los Pecos, etc. En el 71 cambia de sello al terminar su contrato con Zafiro, quedando pendiente alguna cláusula que impide reeditar ciertos discos de la época.

Una vez firmado con Ariola, publica en el año 73: "MY GUITAR", mítico disco de Juan haciendo pop & rock; también cantado en lengua inglesa. Este álbum contenía otro buen puñado de canciones. Y para arropar el LP, dos singles con canciones del mismo ya en versión española: 'María Magdalena' y 'Mi guitarra', probablemente una de las canciones más celebradas del intérprete. Cualquiera que haya vivido en España en 1973 por fuerza habrá oído varias veces la canción. No obstante, no he podido constatar que ocupase el número uno de alguna lista de éxitos. Por el contrario, 'María Magdalena' llegó al número uno de la lista de la revista Hit Parade, durante dos semanas en octubre de 1973, concretamente los días 6 y 13 de ese mes y además tendría una versión en 1974 en la voz de Manolo Galván.

My Guitar - Juan Pardo 1973

Ése mismo 1973 (sello Ariola), aparece otra "rareza" en forma de 45 rpm, la canción "ADIOS A MARIQUIÑA", grabada en castellano y gallego, que se trata de un poema de Rosalía de Castro musicado por Juan. Se sigue intentado colocar éxitos en el mercado anglosajón y en el año 74, edita el LP "CONVERSATIONS WITH MYSELF", de nuevo (y siempre a partir de ahora), producido por Juan y cuya canción-título, editada en sencillo en versión española ("Conversaciones conmigo mismo"), le dio un éxito aquél año. Aquí termina la trilogía de obras en inglés, con clara orientación al pop y al rock y al mercado anglosajón.

Conversaciones Conmigo Mismo - Juan Pardo 1974

En 1974 la lista de Los 40 Principales vio a Conversaciones conmigo mismo', en su versión española, en el número uno (singles) durante 12 semanas, entre el 28 de septiembre y el 14 de diciembre. Sirva como ejemplo ilustrativo que, desde aquella fecha, la canción que más tiempo estuvo en el número uno de esta lista, fue 'Too much heaven' de Bee Gees, que llegó a las 8 semanas.

"Conversations with myself" se publicaba once años después del primer EP de Juan Pardo. Con este disco cerraba el círculo. El rock que lo había alimentado desde la adolescencia abría paso a otras vías de expresión, al tiempo que significaba una gloriosa despedida y, a mayor gloria del autor, la grabada en español e inglés. Cierto es que la versión inglesa se ha perdido en el tiempo, ante el tirón de la española.

Al año siguiente (75) lanza un disco muy importante, pues es la obra que marca el inicio de una nueva etapa, le lleva hasta nuestros días: "HOTEL TOBAZO", donde decide que quiere ser un compositor y cantante en español y romántico, pero con "amaneramientos" bebidos del pop y del rock (que nunca abandonará a lo largo de toda su carrera posterior), haciendo de él un artista único y personal en la música, como pocos. Este trabajo cuenta con los arreglos y teclados de Eduardo Leiva (habitual en los próximos discos) y las guitarras de Tony Obrador (Otro Ex-Pekenike) y los coros de Mª Luz Casal (¿os suena el nombre?), y Ana Oz (del dúo Ana & Johnny, muy conocido por aquella época).

Hotel Tobazo - Juan Pardo 1975

El 18 de abril, tiene lugar el Musical Mallorca '75. Las figuras más representativas del panorama musical español protagonizan la gala, aunque fuera de concurso: Los Diablos, Massiel, Peret, Donna Hightower, Junior, Fórmula V, Mari Trini, Luis Aguilé, Tony Ronald, Cecilia, Julio Iglesias y Danny Daniel, además del propio Juan Pardo, que realizó una interpretación sobervia de 'Conversaciones conmigo mismo', con una primera parte en inglés y el final en español. Además ese día presentaba la canción 'Quédate', del inminente LP "Hotel Tobazo".

No hay que olvidar su obra "CALYPSO JOE" (75), "ADIOS JAMAICA", "AGUA" disco que se recrea en los ritmos Calypso Jamaicanos. Ya totalmente de moda en todo el mundo musical, donde colaboran el grupo de viento "Los Comodines", que Juan ayudaba a lanzar por aquélla época.

Adiós Jamaica - Juan Pardo 1976

En el año 76, graba un particular homenaje a su tierra de adopción, Galicia, tan presente de una manera u otra, en toda su carrera (pasada y futura), el Lp cantado íntegramente en gallego "GALICIA MIÑA NAI DOS DOUS MARES", musicando poemas de autores gallegos antiguos y contemporáneos, con una sola excepción, la canción que da título al disco y con otra anécdota: se autoriza a Juan a grabar el Himno de Galicia ("Himno Galego").

Galicia Miña Nai Dos Mares - Juan Pardo 1976

Entramos en 1976 y son momentos de importantes transformaciones en nuestro país a todos los niveles. La sociedad española se convulsionaba desde el 20-N del año anterior con el fin de una era que había durado cuarenta años, a la vez que vislumbraba un futuro político tan incierto como esperanzador.
Centrándonos en la música pop, hay que resaltar la progresiva pérdida de protagonismo de la controvertida 'Canción del verano' que agoniza como el régimen que la vio nacer. Son los años de la desaparición de los pocos grupos que habían resistido la criba inicial. Los Bravos, Fórmula V, Los Diablos, Los Ángeles... y tantos otros que habían protagonizado la década prodigiosa, veían publicarse sus último discos.

Justo unos meses antes del siguiente LP, lanza un single con temas no incluidos posteriormente en ningún disco: "Eso le ha pasado a todos", y "A tus pies madame".

Eso le ha pasado a todos - Juan Pardo 1977

Después de grabar en Inglaterra el disco "AMOR MÍO" (año 77), finaliza su contrato con Ariola y se edita el obligado "GRANDES ÉXITOS" (año 78). El álbum "Amor Mío" contiene dos de sus mejores temas de esta época: "Mi Herida" y "Amor Mío".

Mi Herida - Amor Mío - Juan Pardo 1978

Aquí acaba su época con Ariola y se plantea su carrera y decide romper con todo. Cambia de arreglista (hasta ése momento Eduardo Leiva), de músicos, de imagen y casi de todo: Así que, tres años después, lanza el disco "JUAN, MUCHO MÁS JUAN" (en nueva casa Hispavox), título nada engañoso, consecuencia de sus palabras anteriores y donde ya domina plenamente el estilo musical que comenzó con "Hotel Tobazo". Con este disco, efectivamente, se presenta un nuevo Juan, (con "toques" en la instrumentación "tecno") componiendo, produciendo e incluso cantando, de forma diferente.

Los temas "Amar después de amar" y "No me hables, no me hables", consiguieron un éxito fulgurante y tremendo, en España, Hispanoamérica e incluso el segundo título escaló puestos en las listas ¡Alemanas! (¡hasta llegar al 12!).

Amar Después De Amar - No Me Hables - Juan Pardo

Juan, siempre cree tener una deuda espiritual con su "Madre Tierra Gallega" y es por lo que, en el año 1997, le dedica íntegramente un doble compacto ("ALMA GALEGA"), de gran venta (se declaran más de 125.000 ejemplares, lo que al ser un disco doble, lo convierten en más de 250.000 unidades, lo que para España, es mucho, tratándose de una obra cantada en gallego en su totalidad), interpretado en su lengua materna (su madre, Dña Aurelia, era gallega) y que se recrea, en tonadas tradicionales de la tierra, y canciones propias compuestas a lo largo de su dilatada carrera, junto a otras de nueva factura. Grabado entre España (Madrid y Galicia) e Inglaterra, contando con colaboraciones de otros artistas, ligados al proyecto por espíritu, más que tratarse de un disco de "dúos"; entre los que cabe citar a Juan Manuel Serrat, Paloma San Basilio, Gwendal y Amancio Prada, entre otros.

Ahora vienen dos de los discos más vendidos (y exitosos, por tanto) de la carrera de Juan: en el año 82: "BRAVO POR LA MÚSICA" (del que se llegaron a vender 600.000 copias), grabado de nuevo en Inglaterra (Snake Ranch Studio), con el viejo conocido Colin Green y con la flor y nata de los músicos sesión británicos: A destacar a Gavin Wright (sección de cuerda) y a Kornell Kovach (de origen húngaro) en los teclados. Y en el Año 83, el doble LP más exitoso aún (precisamente por ser doble): "CABALLO DE BATALLA"; donde realiza el primer contacto artístico con Rocío Jurado, en forma de dúo vocal realizado en dos temas y grabado casi íntegramente en el estudio Gramola, instalado en su casa de Boadilla del Monte; para el que adquirió en subasta (y usó por tanto en la grabación), dos piezas de leyenda para cualquier músico popular: El piano que usaron Bee Gees en muchos de sus temas más famosos y la mesa de mezclas de 16 pistas, que John Lennon, usó para grabar su famoso LP "Imagine". Era una buena época creativa de Juan... como lo fue la época de "La Charanga" y la de "My Guitar".

¡Bravo Por La Música! - Caballo De Batalla - Juan Pardo

Puestos a completar su lista de "herramientas" usadas por músicos famosos, también comentaré (aunque él es muy poco mitómano), que además posee una guitarra del legendario Eric Clapton y otra, que le regaló Mark Knoffler (Solista del grupo Dire Straits).

En el año siguiente (84), hace las "paces musicales" con Fernando Arbex y editan un LP compuesto al "alimón" por ambos ("UN SORBITO DE CHAMPÁN") y realizado en un tiempo récord; tanto es así que preguntando los periodistas cómo habían tardado tan poco, Juan respondió: "...Hemos tardado casi 20 años en hacerlo". Vuelve a grabarse en los estudios Snake Ranch londinenses y con músicos muy conocidos, de nuevo Gavin Wright dirigiendo la sección de cuerda y Charlie Morgan a la batería (más tarde músico habitual de Elton John).

Un Sorbito De Champagne - Juan Pardo

En el año 85 edita en single el tema "Ciudadanos del Mundo... (Abrid los brazos)", dedicado a las personas deficientes mentales, producido por él y arreglado por Eduardo Leiva. Tema al que Juan le tiene un especial cariño y que no falta en sus conciertos a partir de entonces.

El año 85 lo salda con un disco doble grabado en directo ("PARDO POR LA MÚSICA"). Muy recomendable para aquellos que no han visto nuca a Juan en directo y también para los que sí lo han hecho, pues refleja lo mejor posible, tratándose de una grabación, el ambiente de comunicación con el público, "su público", comunicación que continúa hoy día, sin perder un ápice de intensidad.

También por el año 1985, colabora en un disco benéfico (descatalogado desgraciadamente), cantando una Sevillana, la dedicada a la "Puerta de Toledo",

Y ya en el 86 lanza: "QUÉ TIENES EN LA CAMA" con colaboraciones de Los Chunguitos (en el tema que da título al disco y que tiene aires de rumba, pero eso sí, al estilo de Juan) y Mari Trini. Con diseño de portada de Tony Luz (de nuevo un Ex-Pekenike) y un viejo conocido de cuando tocaba la batería con "Juan & Júnior": José Mª Moll", actuando aquí como ingeniero de sonido y componiendo a medias el tema "Otra vez", lanzado en single aquél mismo año. Y así llegamos hasta el disco "MIRAME DE FRENTE" editado a la caída de l987.

Mírame De Frente - Juan Pardo

En el año 1989, edita unos de los mejores trabajos de su carrera "GALLO DE PELEA", en el año 1990, el disco que gusta por su humanidad cotidiana "UNO ESTÁ SOLO" y en el año 1991, el espiritual "ME COMPRÉ UNAS ALAS".

Juan, termina el año 92, con un recopilatorio doble, en forma de grandes éxitos, titulado "SINCERAMENTE JUAN", donde recoge temas del inicio de su carrera en solitario, dos de ellos, vueltos a grabar en gallego ("A Charanga" y "Anduriña") y un tema nuevo "Lo Nuestro Muere"; que pasó desapercibida, enterrada por todos sus grandes éxitos, fin que no se merecía por su belleza y calidad.

Llegamos a 1993, año que ve la luz una de sus obras más completas "LA NIÑA Y EL MAR", trabajo de impecable composición, interpretación, arreglos y producción, en el que el músico, llamado por todos "Maestro", José Antonio Quintano tuvo mucho que ver, como en sus dos trabajos posteriores. Aunque sólo sea por dotar a las canciones de Juan de una nueva dimensión sonora y textura, ciertamente excepcional.

Durante el año 1994, compone, produce (y colabora en un dúo vocal: la hermosísima canción "Blanca Paloma"), el nuevo disco de Rocío Jurado (Sello CBS-SONY): "PALABRA DE HONOR", compuesto íntegramente por él, arreglado y dirigido por José Antonio Quintano y con los músicos habituales de Juan en aquélla época, además del propio Quintano a los teclados y programaciones: Manolo Toro al bajo y Juan del Cerro y Gerardo Núñez (estrella naciente) a las guitarras. Interpretado con un gusto musical exquisito y de nuevo con Gavin Wright como violín solista de la London Session Orquestra, que también participa. Disco que se puede atribuir, tanto a la carrera de Rocío, como a la de Juan y en que Rocío Jurado demuestra que posee una potente y nítida voz, ciertamente envidiable, cuando dispone de buen material.

Con la edición, en el año 95, de la obra "AÑO NUEVO" se cierra la trilogía de estrecha colaboración en discos, con J.A. Quintano.

Año Nuevo - Juan Pardo

A principios del año 99, Juan sorprende con un gran disco "PASIÓN POR LA VIDA", que es, un poco, como volver a sus inicios, de canciones más potentes, ritmos más acelerados, menos baladas, en fin, se podría decir que "más cañero".

Pasión Por La Vida - Juan Pardo

El año 2000, definitivamente, no fue un año bueno para Juan, por motivos que no vienen al caso comentar, pero sí diré que fue en el año que se renovó contrato con EMI.

En 2001 se puso a la venta el nuevo proyecto discográfico de Juan, denominado "TRIGENERACIÓN", trabajo ambicioso y con significado muy "especial" para Juan, por lo que representa: un resumen de su carrera con Los Brincos, con Juan & Júnior y en solitario, que abarca, justo Tres Generaciones: años 60, 70 y 80, pero "revisitados": vueltos a grabar con arreglos nuevos, pero intentando no perder su "color" y "sabor" original... ya saben.. el de aquéllas viejas grabaciones de los años 60, sobre todo, que tenían aquél sonido tan especial: lleno de glamour y único, con ése encanto juvenil y ganas de hacer, de músicos que estaban empezando a crear la Historia Moderna de La Música Popular Española...


JUAN PARDO - 15 DE COLECCIÓN

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domingo, 29 de abril de 2012

FORMULA V (1967-1975)



Septiembre de 1965. ¡Y parece que fue ayer!. Tony y yo coincidimos en los pasillos del instituto Cardenal Cisneros. Él acababa de llegar a estudiar a Madrid desde Cartagena y para mí iba a ser el primer curso en un Instituto después de siete años en los Escolapios.

Desde el primer momento nació entre nosotros una amistad cuyo principal punto en común, era nuestra pasión por la música. Los dos teníamos los mismos ídolos: Shadows, Manfred Man, Tremeloes, y como no, Beatles.
Los Rostros
Aquí empezó todo. "Los Rostros".


No habían transcurrido aún tres meses desde el comienzo del curso, cuando junto a otros dos amigos de mi anterior colegio (Santi y Eugenio), ya habíamos creado nuestra primera formación; “Los Rostros”. Era el típico grupo (o debería decir utilizando la terminología de la época, conjunto), que unía a cuatro ó cinco chavales con mucha ilusión, bastante fantasía y pocos medios, que suplían su falta de formación musical con horas y horas de ensayos martirizando con ellos a familia, vecinos y amigos más cercanos.

No entraré en los detalles del penoso viacrucis que representó conseguir nuestro primer equipo de sonido. Baste decir que desde vender galletas a domicilio hasta repartir periódicos, llevamos a cabo los trabajos más variopintos, para llegar a reunir el dinero que nos permitiera alcanzar esa deslumbrante batería y esas guitarras eléctricas con las que ya nos imaginábamos conquistando el mundo.

Pasamos 1966 actuando allí donde nos llamaran e incluso en donde no lo hicieran. Nos curtimos en las Fiestas de los pueblos cercanos a Madrid, en donde no sólo animábamos el baile con los éxitos del momento (Cae la Nieve, Twist and Shout, Aline... etc.), sino que además poníamos música al paseíllo de los toreros y a los cambios de tercio en las corridas.

Fue a finales de ese año cuando coincidimos en un festival de los muchos que se organizaban por aquel entonces, con otra formación que tenía el sugerente nombre de “Los Jíbaros” y con los que inmediatamente se creó, como se dice ahora, “un buen rollo”.

Fue en ese encuentro donde el destino jugó su papel en nuestras vidas.

Hacía pocos días que Santi y Eugenio nos habían comunicado a Tony y a mí, el ultimátum recibido en sus respectivos domicilios por el que se les conminaba, en vista de las notas recibidas, al abandono inmediato de sus actividades musicales. Lo mismo les había sucedido a dos de los componentes de Los Jíbaros, por lo que con los restos de los dos grupos decidimos hacer uno nuevo. El conjunto resultante del cambio fue bautizado con el original nombre de “ Los Cambios”. ¡¡ Derroche de imaginación!!


Y así fue como en Enero de 1967, Tony, Kino, Chefo, Mariano y yo empezamos con nuevas ilusiones, nuevos sueños y un poco más de experiencia el grupo que más tarde sería conocido como Fórmula V.

Junio de ese mismo año. Cinco chicos que aún no han cumplido los 18, están hechos un manojo de nervios. A las cuatro de la tarde tienen una audición en el club Paraninfo de Madrid, un lugar emblemático en el que han actuado todas las figuras importantes de la época, desde el Dúo Dinámico hasta Los Bravos incluyendo ni más ni menos al mismísimo Tom Jones. La prueba es vital; si le gustamos a D. Jesús Nuño de la Rosa, dueño del club, tendremos la posibilidad de actuar todas las tardes en el sitio de más renombre de Madrid y con un poco de suerte, ser descubiertos por alguno de los cazatalentos que de vez en cuando se acercaban por allí para tomar una copa y escuchar a los grupos.

Aquel día fue inolvidable. La prueba la superamos ampliamente y excepción hecha del encargado de la barra del bar, que se quejaba de que el excesivo volumen de nuestro equipo estuvo en un tris de cargarse la vajilla, todo fueron parabienes. Nuño de la Rosa nos felicitó personalmente y, lo más importante nos ofreció un contrato de tres meses, justos los de las vacaciones escolares, a razón de 18 Euros diarios, o lo que es lo mismo 3,60 para cada uno. Ni que decir tiene que vimos las puertas del cielo abiertas de par en par.
Ibamos a tocar en uno de los clubes más conocidos de Madrid, y además cobrando “una pasta”, lo que nos permitiría mejorar nuestros equipos para mayor temor del ya de por sí aterrado encargado del bar.

Y ahí empezó todo.


Una tarde Pepe Nieto, un músico ya legendario por entonces como uno de los primeros y mejores baterías de Jazz, se dejó caer por Paraninfo y algo debió de ver en nosotros para volver al día siguiente con Maryní Callejo, la mujer que había descubierto a Los Brincos. Después del primer pase (hacíamos dos diarios de 45 minutos cada uno), pasaron los dos al camerino y no nos podíamos creer lo que nos estaba pasando. ¡¡Nos estaban ofreciendo un contrato discográfico, y no con cualquier Compañía, sino con la, en aquellos tiempos, todopoderosa Philips.!!

A partir de ahí fue todo como un sueño del que recuerdo con especial cariño los ensayos en casa de Pepe Nieto (que gran músico y que gran persona), y el viaje a Milán para grabar en los estudios de la Fonit Cetra que por aquel entonces, eran de los pocos en Europa que ya tenían 8 pistas.


Mención aparte merecen las listas interminables de nombres que cada uno de nosotros confeccionaba para bautizar al grupo, y que el de Fórmula V finalmente ganó por mayoría. Nos gustó por dos razones. Para empezar carecía del “Los”, artículo que siempre precedía a todos los nombres de los grupos de la época ( Los Brincos, Los Bravos, Los Pekenikes, Los Mustang, Los Sirex etc.) y además el Circuito del Jarama se acababa de inaugurar, por lo que la Fórmula 1 estaba totalmente de moda. Como nosotros éramos aficionados a los coches y éramos cinco pues.........que os voy a contar, otra vez creatividad a tope!!

Aquel como andar entre nubes tuvo un despertar no tan agradable. “Mi día de suerte es hoy”, nuestro primer disco, ese que habíamos grabado en los super-estudios italianos con la Orquesta Sinfónica de La Scala de Milan al completo (tendríais que haber visto las caras de esos sesudos profesores al vernos aparecer guitarra eléctrica en ristre entre sus oboes, fagotes, arpas y cellos), aquel disco repito, fue un rotundo fracaso.


Habiendo tocado el cielo con la punta de los dedos, aquel fracaso nos dejó desorientados, deprimidos, y con la moral por los suelos hasta el punto que Chefo abandonó el grupo. Estábamos a punto de tirar la toalla y volver otra vez cada uno a nuestros interrumpidos estudios, cuando Chapete se incorporó como teclista pasando a ser el quinto Fórmula definitivo y se cruzaron en nuestro camino dos hadas madrinas con bigote y pelo en el pecho. Eran Jose Luis Armenteros y Pablo Herrero.

La importancia que estos dos personajes han tenido en la música española, merecería no ya un capítulo, sino todo un libro aparte.

Procedentes del mítico grupo “los Relámpagos”, Pablo y Jose Luis han sido, en mi modesta opinión los autores más importantes y prolíficos del pop en nuestro país. Aparte de la mayoría de los temas de Fórmula V, ahí están canciones como “Libre”, “Un beso y una flor”, “Libertad sin Ira”, “Como una ola” y artistas como Francisco, Juan Bau, Nino Bravo, Basilio, Jarcha o nosotros mismos, para refrendarlo.


Pablo y Jose Luis, (Cuco y Cano para nosotros) redescubrieron el grupo, y fueron los principales artífices de ese sonido fresco, sin trucos, directo y tan abrumadoramente comercial que fue sin duda la clave del éxito de Fórmula V.

A partir de aquí la trayectoria es mas o menos conocida. Primero fue “La Playa, el sol, el mar el cielo y tu”, luego “Tengo tu amor”, después “Cuéntame”, meses más tarde “Cenicienta” y así, una tras otra, cada una de nuestras canciones se aupaba a lo mas alto de las listas no sólo en España, sino también en prácticamente todos los paises de habla hispana, siendo Fórmula V el primer grupo español que marchó en gira al otro lado del charco.


Y así hasta Octubre de 1975 , mes y año en el que ya hartos de tantos viajes, tantas giras y de nosotros mismos, decidimos poner punto final a la aventura que había empezado nueve años antes. Ciertamente nuestra separación fue sorpresiva, pues tuvo lugar en pleno éxito. Tanto fue así, que al año de nuestra disolución recibimos por la canción “Carolina”, el premio al disco más vendido del verano anterior.

Pasaron muchos años alejados de los escenarios aunque raro era que transcurriera alguno sin que nos tentaran a volver a grabar ó nos invitaran a actuar en algún sitio.



Finalmente, el 5 de Abril de 2002 reaparecíamos con un concierto en el Miami Dade County Auditorium en la ciudad de Miami en el que tuvimos un lleno absoluto.

Como curiosidad os diré que desde entonces la nueva formación incluye a dos de los músicos que participaron en la época "dorada" de Los Diablos, Emilio Sancho (batería) y Giani Scavini (teclados) así como a Juan Antonio Lopez (bajo) que fue componente del mítico grupo Los Salvajes.

Hasta hoy, cada verano realizamos una gira que ya nos ha llevado a dar más de 300 conciertos en otras tantas ciudades, dentro y fuera de España. En cada uno de ellos nos reencontramos con nuestros fans de antaño y descubrimos, cada vez más, nuevos seguidores entre la gente más joven.

¡¡La mejor señal de que la música de los 60’/70’ nunca ha dejado de estar de moda!!


Si, cuando grabamos nuestro primer disco allá en 1968, alguien entonces me hubiera dicho que hoy me iba a encontrar escribiendo estas notas, y que cuarenta años después nuestras canciones iban a seguir siendo recordadas e incluso versioneadas por artistas del momento, francamente, no me lo hubiera creído.

Por eso va para todos vosotros nuestro más sorprendido agradecimiento.

Fuente: Web Fórmula V

Discografía de Fórmula V


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domingo, 22 de abril de 2012

LOS PEKENIKES (1961-1996)




Para empezar, pongámonos en situación. Estamos cabalgando entre los últimos años de la década de los 50 y los primeros 60 en España. Lo que se oye en la radio es, fundamentalmente, copla y canción melódica. Un puñado de chavales, acá y acullá, empiezan a dar sus primeros pasos en la música con un nuevo género que acabará imponiéndose en las preferencias de la juventud, el rock. Habitualmente, de forma tradicional aunque un tanto imprecisa se distinguen dos escenas de germinación: Barcelona, lugar de origen de Los Sirex y Los Mustang, y Madrid, en la que nacen, entre otros, Los Estudiantes, Los 4 Jets y Los Pekenikes.

Los Pekenikes, cuyo nombre derivaba de la juventud de sus componentes (andaban alrededor los 16-18 años), nacen en marzo de 1959 en el instituto Ramiro de Maeztu de la capital española, procedentes de una proto-formación amateur anterior llamada Los Hermanos Sainz y Su Conjunto. Estos “Hermanos Sainz” eran Lucas y Alfonso, guitarra y saxofón respectivamente, siendo fundamentalmente el segundo de ellos, el mayor, el considerado cabeza destacada de la banda por aquellos años. Junto a ellos estaban Ignacio Martín Sequeros, bajo y uno de los principales compositores del grupo; José Nieto, batería, y Edilberto “Eddy” Guzmán -no confundir con Eddie Guzmán, miembro de Rare Earth-, cantante. Empezaron dando conciertos en su propio instituto, a los que complementaron diversas apariciones en Radio Intercontinental. Aunque, más o menos, esos serán los miembros que darán forma al combo en esos primeros tiempos, las alteraciones de la formación serán muy habituales, que será igualmente inevitable al paso de los años debido a su dilatada carrera. Primeramente, entra Tony Luz a encargarse de la segunda guitarra, a lo que sigue el momentáneo abandono de Pepe Nieto, haciéndose cargo de la batería el propio Eddy para la grabación de su primer EP, “Madrid / Apache / Ramona / Jinetes en el Cielo”, (Hispavox, 1961). En este 7’’ encontramos los típicos componentes de aquellos primeros discos: versiones de éxitos del rock and roll anglosajón debidamente adaptados al castellano si es necesario -aquí se incluyen dos instrumentales, premonitorios- junto a otras de conocidos temas españoles de la canción popular. Tras su publicación, Eddy dará sus primeros pasos como solista antes de unirse a Los 4 Jets, y Pepe volverá a hacerse con las baquetas del grupo. Habiendo perdido a su vocalista, al mismo tiempo se incorpora al conjunto Antonio Morales “Junior”, procedente de Los Jump -donde también estuvo su hermano Ricky Morales antes de ingresar en Los 4 Jets- y con el que publicarán sus tres siguientes EP. El segundo de ellos, “Madison & Locomotion” (Hispavox, 1962), contiene la primera pieza originalmente compuesta por Los Pekenikes, titulada “Viento inca”.


Por aquella misma época se inician las matinales del Price, de cuya organización se encargaba el propio Pepe junto a su hermano Miguel Ángel Nieto, posteriormente bien conocido como locutor de radio. En la primera sesión, organizada el 18 de noviembre de 1962, actuaron, además de Los Pekenikes, Ontiveros, Dick y Los Relámpagos -luego conocidos simplemente como Los Relámpagos-, Eddy -el mencionado Eddy Guzmán-, Los Tonnys -que ampliarían su nombre a Micky y Los Tonys- y Los Cinco Estudiantes -poco después, Los Estudiantes, germen de Los Brincos-. Fuera de cartel, también actuaron The Diamond Boys, grupo gibraltareño del que formaba parte Albert Hammond. A pesar del enorme éxito que estas matinales cosecharon a lo largo de quince ediciones, las presiones de ciertos grupos sociales acabaron desembocando en su prohibición. Sin embargo, la experiencia fue vital para la juventud de la época, y no solo -aunque sí fundamentalmente- la madrileña: también para los grupos, que ampliaron su público.

Para el año siguiente vuelven a producirse cambios, esta vez más importantes, ya que Pepe se retira definitivamente de la banda, iniciando, al cabo de los años, una exitosa carrera como compositor de sintonías para cine y televisión, galardonada con varios Goya. Su sustituto en Los Pekenikes fue Pablo Argote, pero ahí no queda todo, ya que, como se indicaba algo más arriba, Junior abandonó también la formación y fue reemplazado por Juan Pardo, el cual procedía de Los Teleko, conjunto disuelto poco antes. Si, como se señalaba, “Viento inca” fue la primera composición original de Los Pekenikes, con Juan Pardo firmaron “Eso fue tu amor”, publicado en “Eso Fue Tu Amor / Please, Please Me / Hully Gully / América de West Side Story” (Hispavox, 1964), su primera canción vocal, ya que la anterior era instrumental. Ese mismo año también empiezan a colaborar con Karina como conjunto de acompañamiento, tarea que compartieron con otras bandas, como Los Continentales. Los Pekenikes y Karina ya habían participado juntos en diversos espectáculos en directo, pero su primera grabación fue el flexidisco promocional “Corazón / Dile” (Hispavox, 1964), siendo la última una versión alternativa a la publicada en “Si Fuera una Princesa / Me Voy / Dile / Si mi Almohada Hablara” (Hispavox, 1963). Poco después Tony Luz y Karina iniciaron una relación sentimental, que se destaca por el inminente peso que tuvo en la carrera de ambos. La colaboración de grupo y vocalista se extendió a lo largo de diversas grabaciones y composiciones, incluidas las que la jienense interpretaba para el film “Los Chicos del Preu” (1967) de Pedro Lazaga. Hablando de cine, Los Pekenikes aparecerán, ya en imagen, en "Escuela de Enfermeras" (1965) de Amando de Ossorio, junto a Carlos Larrañaga y Paloma Valdés.


Aunque Los Pekenikes eran ya un grupo reputado, el primer éxito importante les llegó con su siguiente EP, el primero de sus discos producido por Rafael Trabucchelli, “Los Cuatro Muleros / Vete Ya / Mírame / El Soldado de Levita” (Hispavox, 1964), gracias a la adaptación instrumental del popular tema que lo abre. Ese fue además el último disco que Juan Pardo grabó con la formación, tras el cual ingresa en Los Brincos. Su puesto en Los Pekenikes lo ocupó Pepe Barranco, que venía precisamente de Los Estudiantes y al que no había seducido la idea inicial de formar parte del nuevo proyecto de Fernando Arbex. Con él participaron en otro de los grandes eventos musicales del momento: el concierto de The Beatles en Madrid.

The Beatles dieron su primer concierto en España en la plaza de toros de Las Ventas, Madrid, el 2 de julio de 1965, y al día siguiente en Barcelona. El espectáculo, presentado por Torrebruno, se dividió en dos partes, una primera en la que actuaban los teloneros, en cuya parte central tocaron Los Pekenikes, y la segunda exclusivamente para los de Liverpool. Como es de esperar, todas las crónicas del suceso se centran en la actuación de los ingleses y poco se sabe de qué hicieron los madrileños. Sí se sabe que no hubo lleno -el precio de las entradas era altísimo- ni buen sonido, lo que sirvió a algunos para rebajar la importancia del acontecimiento. De todos modos, si haber visto a The Beatles en directo es algo digno de contar a los nietos, no digamos ya haberlos teloneado.

Continuando con la trayectoria de Los Pekenikes, Pepe Barranco solo estuvo con el conjunto por la grabación de tres EP para después pasar a formar Los Flecos. Con él se marchó también Pablo Argote, por lo que de nuevo Los Pekenikes se encontraban sin batería ni cantante. Y, cosas de la vida, fue de nuevo Eddy Guzmán quien se hizo cargo de ambos puestos una vez finiquitados Los 4 Jets. Así publican el que sería su último EP, “La Gitana / No Te Molestes / Estoy Bien / Nadie Como Tú” (Hispavox, 1965).


Sin embargo, los acontecimientos se precipitan. Los Brincos han publicado ya su primer LP y es inminente la edición de un segundo, por lo que Hispavox apremia al grupo para editar el suyo y no rezagarse. Cuando se disponen a ello, Eddy Guzmán se marcha repentinamente a Filipinas, de donde era oriundo, tras la muerte de su padre. El grupo nunca más vuelve a saber de él. Según cuenta Eduardo Bartrina (Los Jets) en sus memorias, Edilberto no regresó y murió en su país hace años. El caso es que los Pekenikes sí consiguen un batería, Jorge Matey, ex-miembro de Los Sonor, pero aún necesitan un nuevo vocalista. Dadas las experiencias anteriores, el grupo decide grabar un álbum enteramente instrumental, y así se produce el gran aporte de Los Pekenikes a la historia musical española.

“Los Pekenikes” (Hispavox, 1966) conjuga magistralmente todo lo que el grupo había ido desgranando en sus discos anteriores, pero más refinado y, desde luego, mejor acabado. Muchas de las canciones que componen el álbum han acabado convirtiéndose en clásicos de los 60, pero probablemente la más popular sea la evocadora “Hilo de seda”. El éxito es enorme y se extiende incluso al extranjero, siendo uno de los primeros grupos españoles en conseguir sonar más allá de nuestras fronteras, editándose en México, Estados Unidos y sonando en emisoras de buena parte de Europa. La nueva orientación del sonido requiere de una mayor sección de vientos, por lo que se incorporan, en principio de manera aún oficiosa y posteriormente ya definitiva, Pedro Luis García y Vicente Gasca. Aparte, Jorge Matey, gran aficionado a las motos, sufre un accidente que le aparta de la ejecución de su instrumento y es sustituido por Félix Arribas, un batería procedente de Los Silvers. Con esta formación se grabará “Los Pekenikes” (Hispavox, 1967), que continúa el camino emprendido en el anterior álbum pero acentuando su lado más rítmico. En este LP, además, encontramos algunas piezas que un tiempo después formaron parte de la banda sonora de la película “La Tonta del Bote” (1970) de Juan de Orduña, cuya sintonía original compuso igualmente Alfonso Sainz.


Llega entonces una época difícil para Los Pekenikes que se extenderá hasta el cambio de década. El primer varapalo no es sino el que sufrieron casi todas las bandas de la época, la incorporación al servicio militar obligatorio de sus componentes. Por aquel entonces la mili duraba bastante tiempo y para muchos grupos supuso la certificación de su defunción; algo así como enfrentarse al mundo real. Los Pekenikes lograron sobrevivir y como buenamente pudieron grabaron su tercer LP, “Alarma” (Hispavox, 1969), sin Lucas, que estaba cumpliendo con la patria, con Antonio Obrador, ex -miembro de Los Continentales, reemplazándole momentáneamente y la breve incorporación de Antonio Brito. En este disco participa Waldo de los Ríos en algunos arreglos y es donde el grupo inicia algunas experimentaciones en su sonido. Sin duda, la más relevante fue la incorporación de dos canciones cantadas, ambas composiciones de Alfonso Sainz, siendo una de ellas, “Cerca de las estrellas”, interpretada por Félix, uno de los techos creativos indiscutibles del grupo, una mención obligatoria al hablarse de Los Pekenikes, en el que introducen elementos psicodélicos a su sonido.

Con todas estas idas y venidas de miembros por causa de su formación militar, algunos deciden crear un proyecto paralelo, Taranto’s, junto a otros tantos miembros de Los Pasos. Este se da de forma un tanto anónima debido a que Los Pekenikes no podían editar con otros sellos debido a que estaban en contrato con Hispavox. Los Pekenikes aportan a Lucas e Ignacio, mientras que Alfonso se encarga de la producción. Por su parte, Tony Luz se encarga del diseño de la portada del álbum, que será editado por el flamante sello de los hermanos Sainz, Guitarra. El álbum, “Opus Pi (3.1416)” (Guitarra, 1969) tendrá una discreta acogida, pero en él se han querido ver indicios del origen del rock andaluz, otorgándole por ello un lugar singular en el devenir de la historia del rock español.


Para rematarlo todo, la incorporación de nuevos componentes provoca una clara escisión en la banda que llega al punto de que durante un breve tiempo hay simultáneamente dos conjuntos llamados Los Pekenikes, lo que creó algo de confusión y favoreció poco al conjunto. Por un lado, Lucas Sainz, Tony Luz y Pedro Luis García, con el auspicio de Alfonso y, especialmente, de Rafael Trabucchelli, publican “Ss.Ss.Ss.Q.E.S.M.” (Hispavox, 1971). En este disco participan además los colombianos Álvaro Serrano, Yamel Uribe y Guillermo Acevedo, fogueados en diversas y prestigiosas bandas de su país, más los españoles Rodrigo García, también procedente de Colombia, y Juan Jiménez que, junto a los mencionados Guillermo y Yamel, formó parte del efímero grupo Primer Wagon, que editó un sencillo con Guitarra. Por el otro, el resto de componentes de los que se pretendía prescindir, que ha fichado por Movieplay, editan el sencillo “Nobles Contra Villanos / El Valor de 6 Penikes” (Movieplay, 1971). Finalmente este segundo grupo es el que se lleva el gato al agua y retiene el nombre. Del otro, Lucas se dedica al automovilismo, una de sus grandes pasiones, y deja atrás la música para reaparecer brevemente con un disco en solitario publicado a mediados de los 70. Su hermano Alfonso marcha a Estados Unidos para ejercer su profesión, la ginecología, y años después retoma su trayectoria artística como solista, en Estados Unidos primero y después en España, mientras que Tony da forma a los últimos años de esplendor de la carrera de Karina, tras lo cual fundará los grupos Zapatón y Bulldog. Juan Jiménez, que había participado en el último LP de Hispavox, se pasa a Los Pekenikes de Movieplay -ya los únicos Pekenikes-, a los que también se unen José Vicente Losa y Fernando Martínez. Así llegará uno de sus últimos grandes éxitos, por no decir el último, “Palomitas de maíz”, versión del popular “Pop corn” de Gershon Kingsley. La canción se incluyó en el primer LP con su nuevo sello “Los Pekenikes” (Movieplay, 1972), también conocido como “El coche” debido a su espectacular portada desplegable.


Fernando estará poco tiempo en la banda y a su salida se incorpora Manuel Mas. Al fin los Pekenikes encuentran una formación asentada y estable que se mantiene firme; serán raros los cambios a partir de entonces. Sus miembros ya rondan la treintena y compaginan su labor en el grupo con otras actividades profesionales, pero durante el resto de la década siguen editando discos con regularidad. Tras la grabación de “Saltamontes” (Movieplay, 1973), es a José Vicente, el más joven del grupo, al que le toca hacer el servicio militar, y por recomendación suya se incorpora como sustituto temporal Salvador Domínguez, que grabará junto al grupo su último disco en Movieplay, “Cachimba” (Movieplay, 1977). Aún editan un nuevo disco con apenas difusión el año siguiente, pero a partir de entonces la actividad de Los Pekenikes pasa a un segundo plano en los quehaceres de sus componentes -Félix funda su sello Lady Alicia Records, con el que editará material de su banda Félix Arribas Hot Band, así como "Scanner" (Lady Alicia, 1984) de Los Pekenikes- si bien en ningún momento renuncian a la banda, que seguirá adelante fundamentalmente a través de un puñado de conciertos cada año.


Sin embargo, todavía quedan por destacar dos discos. El primero, “Tren a Memphis” (Zafiro, 1986), vuelve a reunir a los miembros activos de Los Pekenikes con los hermanos Sainz. En este disco se hacen nuevas lecturas de algunas de sus viejas canciones junto a otras tres nuevas compuestas por Lucas. El segundo, diez años después, y con la última incorporación de Paco Gómez en los teclados, se titula “Diáspora” (Fonomusic, 1996) y que cuenta con la colaboración de Teddy Bautista, Ex-Canarios, en la versión de la conocida canción de Ray Charles “What’d I say”.


Así se cierra este repaso por la andadura de uno de los grupos indispensables para conocer el origen del rock en España, y uno de los fundamentales de la música de los 60. A lo largo de los años, sus canciones han aparecido en películas, series, anuncios y programas de televisión, multitud de recopilatorios y se les menciona en libros y artículos sobre la época habitualmente, formando parte del imaginario popular, aun incluso de aquellas personas que desconocen a los autores de esas canciones.

Fuente: Dris Alí - Lafonoteca.net





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