sábado, 8 de diciembre de 2012

Los Pepes - Discografía (1966)

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Los Pepes [Clic]

En la singladura de nuevos grupos valencianos, surge por el año 1966 un grupo que se hace llamar Los Singals, formación muy joven liderada por Manuel José (bateria) y José Ángel Marín (bajo) que desplegaba un sonido garajero con voces al estilo de The Hollies. Hacen su debut oficial cara al público en el Teatro Micalet de Valencia, que acogía, aunque sin mucha frecuencia, a grupos valencianos. Por allí pasaron Los Rockeros, Bruno Lomas o Los Huracanes. Dicho debut era en una presentación fallera y fue un verdadero éxito.

Los Singals versionaban muchas canciones de The Searches, sobre todo porque el juego de voces eran para ellos una de las claves de su éxito. Cambian posteriormente a alguno de sus componentes, pero siempre dirigidos por Manolo y José Ángel.

Con el nombre artistico de Los Singals no estarían mucho tiempo, pues pronto deciden llamarse Los Pepes (todos sus componentes se llaman José, Manuel José, José Ángel, José María etc.). Sus actuaciones siguen siendo un éxito en los matinales de aquella época, actuando con bandas tan reputadas como Huracanes, Top-Son o Ángeles Negros.

En uno de sus viajes a Madrid, un compositor cubano llamado Ernesto Duarte Brito les propone la grabación de un sencillo bajo el sello Hit, comercializado por Columbia. Sus grabaciones nunca llegaron a reflejar su verdadero fuerte, sus actuaciones en directo, que en el contexto de los 60 pueden calificarse de exquisitas y no tenían nada que ver con las grabaciones antes mencionadas. Grabaron un total de dos sencillos, un EP y un LP, con algunas composiciones propias, como "Cal y cemento" o "Un día feliz, otro de llanto", pero sobre todo versiones que en aquellos momentos estaban en las primeras listas. Así, grabaron de alguna manera algo incomprensible (incluso para el propio José Ángel, gran amigo del que suscribe estas líneas, canciones como "Oh Susana" o "La turista y la gachí").

Los Pepes hacen programas de TV, y actuaciones por casi toda la geografia española, cosechando éxitos importantes, pero como tantos otros grupos, abandonan este periplo musical y cada uno decide continuar en sus facetas profesionales. Los últimos componentes de Los Pepes fueron: Manuel José (bateria), José María (guitarra solista), José Manuel (cantante), Federico José (guitarara rítmica) y José Ángel Marín (bajo).

Fuente: José Miguel Belloch Belenguer - lafonoteca.net






domingo, 18 de noviembre de 2012

Cecilia (1970 - 1976)



Cecilia [Clic]

Evangelina Sobredo vivió una infancia cargada de traslados. Durante su niñez, su padre, diplomático de profesión, estuvo destinado en Gran Bretaña, Estados Unidos, Portugal y Jordania. Desde pequeña se aficionó a la música, simultaneando el español y el inglés en sus canciones y primeras composiciones. A su regreso a España, estudia la carrera de Derecho. En la universidad madrileña conoce al pope del folk español, Joaquín Díaz. Éste le pone en contacto con otros dos músicos importantes: Nacho Saenz de Tejada y Julio Seijas, que formaban parte de Nuestro Pequeño Mundo y Aguaviva respectivamente. Juntos graban un single en 1970 bajo el nombre de Expresión. Aquella aventura dura apenas unos meses. En el descanso de una actuación en la sala JJ en la que hacía coros para Canarios, toma el micrófono y canta su tema “Portraits and pictures”. La escucha Tomás Muñoz, director de la CBS, recién instalada en España y la ficha inmediatamente. Cambia su nombre por el de Cecilia en honor a un tema de Simon & Garfunkel, muy en boga por aquellas fechas.

Cecilia odiaba aparecer como una niña bien de clase alta y recurría a un lenguaje plagado de tacos que intentaba disimular su esmerada educación en elitistas centros religiosos de medio mundo. Su primer single “Mañana / Reuníos” (CBS, 1971) se escucha por las emisoras sin alcanzar demasiado éxito. Precisamente la canción de la cara B de este disco es una petición a la reunificación de The Beatles. Ni el sello ni la cantante se desaniman.

El disco pasó desapercibido en el mercado, aunque no tanto en la radio. Sirvió como tímida puesta en sociedad de la cantante. Hoy día es un single muy cotizado por los coleccionistas por lo que supone tener en la mano el primer disco de la que poco después iba a convertirse en un icono de la música española.

Al año siguiente aparecerá su primer long play precedido de un single cuya cara B es “Dama, dama”, una crítica contra la hipocresía de una determinada clase social. El triunfo es rotundo. Ese single ocupa durante dos semanas en el nº1 del top nacional.

Uno de esos discos mágicos que con solo dos temas consagra a una cantante. Cecilia canta con esa fuerza que ya no la va a abandonar hasta su final. El disco preludia la aparición de su primer LP, que se pondría a la venta unas semanas más tarde. Este sencillo ocuparía durante dos semanas el primer puesto de ventas en España en el otoño de 1972.

El álbum “Cecilia” (CBS, 1972), con arreglos de Juan Carlos Calderón, la convierte en una de nuestras cantantes más conocidas. Temas como “Fauna” o “Señor y dueño” definen su rebeldía feminista y la crítica a unas costumbres sociales y a una forma de vida que se desmoronaba por momentos en los últimos años del franquismo.

En 1973 aparece su LP más íntimo “Cecilia 2” (CBS, 1973). Una mirada hacia su propio interior con sus frustraciones, dudas, recuerdos y tristezas más profundos. Esta vez los arreglos son menos aparatosos que en el anterior y corren a cargo de Pepe Nieto. Se ha definido este disco como uno de los más tristes jamás editados por una cantautora. Temas premonitorios como “Me quedaré soltera” o “Con los ojos en paz”, apologías del suicidio como “Si no fuera porque…”, recuerdos anclados en algún lugar del alma como “Cuando yo era pequeña” o temas antibelicistas como “Un millón de sueños” configuran la obra más personal de la cantante. Este disco no alcanza las cifras de ventas del anterior, aunque hoy es considerado por muchos como el mejor de la discografía de Cecilia.


Cecilia 2 - 1973

1975 va a ser el gran año de la cantautora madrileña. Es designada para representar a España en el festival de la OTI con el tema propio “Amor de medianoche”. Recibe presiones, que no acepta, para modificar su letra por parte de TVE y cumple a regañadientes el encargo de defender a la televisión española en Puerto Rico. Finalmente alcanza un segundo puesto.

Cecilia iba a obtener su mayor éxito comercial con el LP “Un Ramito de Violetas” (CBS, 1975) y su single homónimo, que se va a colocar durante cuatro semanas en el escalón más alto del hit parade. Además de este ramito, contiene canciones básicas en la historia musical española de aquella década, como “Mi querida España” o “Don Roque”. Las letras plantean una crítica cargada de ternura a las costumbres sociales de su época. Cecilia se encuentra en su mejor momento creativo y comparte vida y música con su pareja, Luis Gómez Escolar, ex-componente de Aguaviva, que había publicado un LP en solitario bajo el nombre artístico de Simone. Era ya la indiscutible gran figura femenina de la música española, tomando el testigo de dos cantautoras básicas en la evolución de la música de nuestro país: María Ostiz y Mari Trini. Su productor, José Luis de Carlos, la recuerda como una compositora explosiva que se sentaba a escribir y las canciones le brotaban con naturalidad, sin esfuerzo.





Justo en su mejor momento, en medio del trajín de galas veraniegas, actúa en la sala Nova Olimpia, de Vigo. Nada más terminar su actuación monta en un coche con sus tres músicos para regresar a Madrid. Hacia las 6 de la mañana en la pequeña población zamorana de Colinas de Trasmonte chocan contra una carreta de bueyes sin luces. El batería Carlos de la Iglesia y Cecilia fallecen. Le faltaban un par de meses para cumplir 28 años. En 1983 aparecerá su LP “Canciones Inéditas” (CBS, 1983) que recoge algunos temas con letra de Valle Inclán en los que estaba trabajando en el momento de su muerte y otras canciones que fueron descartadas de discos anteriores. Posteriormente se han publicado otros discos recopilatorios y uno más de dúos necrófagos junto a cantantes famosos.

Cecilia es parte de la mejor historia de la música española. Su sensibilidad, su rebeldía, su dulce protesta feminista y sus composiciones inolvidables la convierten seguramente en la más grande cantautora que ha dado nuestro país. La universalidad de sus músicas y de sus letras se pone de manifiesto cuando vemos que artistas tan dispares como Manzanita, Mocedades, Julio Iglesias, Fangoria, Rocío Durcal, Manolo Tena, Le Mans, Rosario Flores y un largo etcétera han grabado sus composiciones.

Fuente: Julián Molero - Lafonoteca.net


domingo, 11 de noviembre de 2012

Exitos de 1968 - CD EMI (1990)

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Efemérides de aquellos años

Política: Grandes movimientos estudiantiles y obreros en el mes de MA YO FRANCES, en París.
Checoslovaquia inicia una apertura política que será cercenada por los tanques del pacto
de Varsovia. Muere la "primavera de Praga".
Son asesinados Martin Lutero King y Robert Kennedy.
El diario "Madrid" es cerrado por oden del gobierno. Años después el edificio del perió¬dico será volado y la fotografía dará la vuelta al mundo.

Sociedad: Massiel gana, por primera vez para RTVE, el festival de Eurovisión.
Jackie Kennedy se convierte en la segunda esposa de Aristóteles Onassis.

Sucesos: Yurí Gagarín, primer cosmonauta de la historia, muere en un accidente de aviación.
El 7 de junio ETA comete su primer asesinato: la víctima, el guardia civil José Pardines.

Deportes: Olimpiada en México. Bob Beam'on vuela 8,90 metros en salto de longitud.

Fuente: Contraportada interior




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domingo, 28 de octubre de 2012

BAMBINO - Y No Te Enteras - LP Columbia (1976)

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INFO:

Hijo de Manuel Vargas Chamona y de la bailaora Francisca Jiménez Frasquita, hermana del cantaor Manuel de Angustias, se sintió atraído por el cante desde niño, pero en su juventud tuvo que trabajar, entre otros empleos, en la barbería de su padre. Poco después comenzó a introducirse en el campo musical y debutó como artista profesional en la Venta Real de Antequera (Sevilla) a los 21 años. Allí cantaba una versión por rumbas de "Bambino Piccolino", canción italiana que popularizó Renato Carosone y que dio a Miguel su nombre artístico.

Comprendió desde el principio que no quería encauzar su carrera dentro de los moldes habituales del cantaor andaluz y prefirió correr el riesgo de buscar su propio estilo. Se dedicó a la interpretación de bulerías, rumbas, coplas y boleros, dentro de un "pseudo flamenco" al que supo infundir una fuerza y un temperamento que no tardaron en proporcionarle la gran popularidad que llegó a tener.

Un dominio excepcional del compás, sus desgarradoras experiencias vitales y sobre todo la peculiar personalidad de Bambino, se vieron reflejados en una larga carrera con actuaciones en teatros, tablaos (fue contratado en los más importantes tablaos de Madrid como Torres Bermejas o Canasteros) y giras por toda España, así como en su numerosa discografía.

Miguel Vargas vivió sus últimos años en Utrera, apartado de la música por un tumor de garganta que acabaría quitándole la vida.

Este gitano de ojos tristes que un día tuvo la lucidez de inventar su propia forma de cantar, hoy por hoy sigue ocupando un lugar aparte en el género que cultivó. En el recuerdo quedan varios homenajes que se le tributaron tanto en vida como después de su muerte.

El 5 de septiembre de 2005 se levantó en Utrera, lugar de nacimiento y muerte de Bambino, un monumento en su honor.

Biografía por David Muñoz Sanchez para Wikipedia.

Miguel Vargas Jiménez (12-2-1940 - 5-5-1999). Nació en plena calle Nueva, hijo del matrimonio gitano compuesto por Manuel VargasTorres -Chamona- y Francisca Jiménez Ramírez -Frasquita-, reci­biendo las aguas del bautismo en la parroquia de Santiago, de manos de aquel Don Pedrito, de grato recuerdo.

Tras su paso por las escuelas gratuitas del Colegio Salesiano, en­tra en la barbería con su padre y, en su adolescencia, sufre su pri­mer fracaso de amor porque aquella prima gitana no le hacía caso como él quería.

En uno de los primero Potajes Gitanos se queda con aquella for­ma de cantar y bailar el "Chiquillo" de Carasone, Diego el de Glo­ria, y al hacerlo suyo, surge el nombre de Bambino.

Gitanillo de Triana que lo sabe y que viene a verle, se lo lleva a la Real Venta de Antequera que regentaba y de allí a Madrid, al Duen­de, el tablao flamenco de su suegra, la inmarcesible Pastora Impe­rio. Del Duende a Pasapoga y a las Cuevas y de allí al cuadro fla­menco de Los Canasteros, en la madrileñísima calle Barbieri, don­de el genio del arte, Caracol, se fija en él y al cabo de unos días le manda hacerse tres trajes de calle y le sitúa por delante para que exponga su grandeza y su expresión artística, tanto en el cante como en el baile, pues ahí radica uno de los mayores encantos de la cali­dad flamenca de este chaval de Utrera que a raíz de entonces vuel­ve loco al todo Madrid. Ya le escriben canciones Salvador Távora, José Ruiz Venegas y Alfonso Carlos Santisteban. Ya, en olor de mul­titud, entra a formar parte del espectáculo de Torres Bermejas, com­partiendo papel estelar con la Paquera y Faíco. Ese maestro de editoriales que se llamó César González Ruano se quedó prenda­do de su espacialísima forma de jugar con el cuerpo y su chaqueta y le publicó un artículo en el diario Pueblo titulado "A vueltas con la ortodoxia" de bellísimo corte literario.

Generoso y abierto con todos los utreranos que llegaban al tablao de la calle Mesonero Romano, también nosotros, familiar de sangre, tuvimos la oportunidad de conseguir de Miguel la amistad y el contacto con gentes importantes de aquel Madrid de los sesen­tas que se rendía a sus pies y así tuvimos la inmensa suerte de compartir mesa algunas noches con Bobby Deglané, Pepe Nieto y Evaristo Acevedo, amén de conocer a muchos artistas con los que todavía hoy mantenemos amistad. Fuimos testigos de una entre­vista que le realizó el crítico teatral Ángel Laborda, dedicándole dos páginas del famoso rotativo Ya.

Ya también la discografía de Bambino subía hasta ese consegui­do número de casi quinientos temas grabados, musicando cancio­nes de Quintero, León y Quiroga, Solano, Benítez Carrasco, Ar­mando Manzanero y el jerezano Manuel Alejandro. Barcelona, Va­lencia y todos los puntos de España saborean las mieles exquisitas de este gitano de Utrera, donde la rumba, por supuesto, pero tam­bién el bolero, la cantiña y la balada y, sobre todo, la bulería, sona­ban con ese ritmo distinto, con esa cadencia escénica y con ese son de sublime armonía en puro ambiente de locura, cuando Miguel jugaba con sus brazos en el aire y paraba el tiempo a compás, en majestuosa postura de sabor a cante grande.

Entre la primavera y el verano del noventa y seis, ya sabíamos que a Bambino le habían extirpado una cosita en la garganta, al parecer, sin importancia, más, tristemente, poco tiempo después, todo sabíamos que aquello tenía "guasa". Todos empezamos a entristecernos. Miguel ya estaba en su casa de Utrera, donde ya no aguardaba la musa de su arte, Frasquita: su madre.

En pleno éxito profesional, entres sus innumerables premios y galardones recibidos, Miguel disfrutaba con ese homenaje recibi- do en el XVIII Potaje Gitano en 1975, con ese Mostachón de Plata re­cibido en 1983 y ese otro homenaje de la Peña Flamenca Curro Utrera en 1995.

En su enfermedad recibió homenajes en el Imperial de Sevilla, en el Reina Victoria de Madrid y en Barcelona se recopilaron sus me­jores canciones en un doble compacto para también reconocer y homenajear su figura, entre otras cosas, por­que Bambino, además de un artista excepcio­nal, era una persona que quería todo el mundo, enamorado de su diferente forma de interpretar la canción. ¡Lo suyo era algo distinto! Bambino, en la canción flamenca, siempre ha sido algo espe­cial. Además de España toda, Europa y América pudieron dar fe de ello.

En abril del 99 y en el teatro municipal Enrique de la Cuadra, la Peña Cultural Flamenca Curro de Utrera le montó un espectáculo con casi todos los artistas locales más José Mercé que vino desde Madrid expresamente para acompañar a Miguel y además hizo venir a Moraíto desde Jerez, con los palmeros Chicharito y Gregorio Fernández. Miguel, que no tendría que haber salido porque se en­contraba ya muy mal, hizo caso omiso a los consejos de familiares y amigos y allí se plantó, con toda la gravedad de sus males a cues­tas, porque, como nos decía su entrañable amigo Rafael Alfaro, Bambino le había pedido un plazo a la muerte, porque soñaba con este homenaje, el último de su vida. Y, como tenía que suceder, el día cinco del mes cinco, cuando las manillas del reloj de la muerte buscaban esa hora lorquiana de los clarines del miedo de las cinco de la tarde, en su cama del polígono El Tinte de casa de su herma­na María -siempre a su lado-, Bambino miró detenidamente a ésta, esbozó tímidamente una sonrisa... y cerró los ojos.

Nosotros lo supimos enseguida y sin meditar siquiera la trage­dia establecimos contactos con los compañeros del periodismo y demás medios de comunicación, ahogando nuestras palabras en cada comunicación, en cada respuesta a pregunta, porque, minuto a minuto comprendimos, cada vez con más tristeza y mayor con­vencimiento a un tiempo, que Utrera acababa de perder a uno de sus mejores artistas de todos los tiempos.

Biografía de Bambino por Manuel Peña Narvaez ( Arte y Artistas Flamencos de Utrera)

Fuente: rinconbambino.com




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BAJO EL CIELO DE MEXICO - Anselmo Alvarado Y Su Conjunto - LP (1970)

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viernes, 26 de octubre de 2012

Aracelí Banyuls - Ades i Ara [LP Auvi] (1978)

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Aracelí Banyuls [Clic]

Dentro de la canción del País Valenciano,'Aracelí Banyuls no solo se la ve constantemente el trabajo infatigable, sino la única mujer que llama y canta sus problemas de arriba un escenario o un sencillo entablado en medio de una plaza. Ya hace años que le pega, con la sena voz profunda de suelo esperanzada, en esto de andar, como los juglares andas, de pueblo en pueblo, la guitarra entre manos y el canto a punto.

Si recuerdo una época, llena de inicios e ilusiones clandestinas. siempre veo el rostro enjuto de la 'Aracelí, dentro de un marco de canciones ahora olvidadas. agrietado las paredes de Ias nuestras prisiones cotidianas. Nuestro espacio de proyectos y vida. Gandía y La Safor. en aquel! tiempo de afectos - "El Ateneo", que decíamos con tono grandilocuente y un tanto irónico desde donde queríamos despertar las conciencias de un pueblo que calla va. Allí. Araceli con sus primeras canciones ofrecía un tono íntimo. secreto, en las largas veladas amistosas. Entonces, finales de los se sale noventa, envueltos en actividades culturales de todo tipo, nos conocimos: más de una vuelta a trabajar juntos en montajes teatrales o poéticos. Ella llevaba su voz de mujer a raíz de vida, el deseo de romper los mudos tabiques del miedo, una larga melena con perfumes del atardecer.

Hijos del mismo pueblo, Beniopa, vecinos de calle y de recuerdos, poco a poco habíamos ido cambiando los juegos de la infancia por el áspero camino del combate que se expresa con palabras y sonidos inspirado grandemente de la memoria colectiva. Del pueblo y para el pueblo, sena la consigna de que ¡lances en la noche las canciones que Araceli interpreta. Romanceros populares, poemas clásicos, tonadas propias, con la fuerte voz de mujer que sabe de dónde viene y qué quiere. Araceli Banyuls, "Adés i ara". Un dicho sencillo y precioso que nos marca el paso del tiempo inevitable. El pasado y el presente invitados a la mesa, el recuerdo y luchas necesarias para encontrarnos un día, empapados de alegría y música, con todos aquellos que hacemos y somos el pueblo que nos pertoca. Que este disco sea un grito de un fecundo mañana nuestro.

Fuente: Contraportada interior en valenciano

Reseña del Disco:

Una de las clásicas de la Nova cancó en el País Valencià. En el año 1978 graba este disco dividido en dos partes, una con interpretación de clásicos populares como "A la mar em tiraria" y en el otro composiciones propias en colaboración con artistas de la talla de J. Timoneda o J. Colombines, destacar el acompañamiento de la guitarra española del grande E. Ezequiel.






domingo, 21 de octubre de 2012

Antonio Machín - 20 Grandes Éxitos De [LP EMI] (1981)

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Antonio Machín [Clic]

ANTTONIO LUGO MACHIN, cantante de Boleros y canción melódica, conocido mundialmente con el nombre artístico de ANTONIO MACHIN, nació en Sagua la Grande (Cuba), el 11 de febrero del año de 1903, y murió en Madrid el 4 de agosto del año 1977, cantante cubano de boleros y de música popular en general. Basó su repertorio en la música cubana y la balada romántica. Intérprete de reconocido prestigio en el ámbito hispanohablante, es famoso por sus recreaciones, entre otras, de temas como El manisero, Dos gardenias, Angelitos negros... Su disco El manisero, grabado en 1930 acompañado por la orquesta de Don Aspiazu para la compañía Víctor de Nueva York, constituyó el primer éxito millonario en ventas de la música cubana.

Miembro de una pobre y numerosa familia (aproximadamente, eran quince hermanos) de Sagua La Grande, Antonio tuvo que trabajar desde niño en los más diversos oficios, según le permitiera la edad. Fueron sus padres un emigrante gallego, José Lugo Padrón, y una negra cubana, Leoncia Machín. Su infancia, según declararía el artista fue «bastante feliz dentro de lo que cabe: dentro de la posición de mi familia, que no eran ni muy ricos ni muy pobres». Siempre le gustó cantar y así cantaba cada vez que tenía una oportunidad. Llega a escaparse hasta tres veces con los músicos ambulantes que pasan por su ciudad camino de La Habana. Desde niño cantó en teatros de su pueblo natal e integró grupos musicales alternando con su trabajo de albañil. Cantaba en el coro de la iglesia, detrás de la pantalla del cine mudo... En 1911, el párroco de Sagua le pone a cantar en su altar mayor. En cierta ocasión, con motivo de una fiesta benéfica, interpreta el Ave María de Schubert subido a una silla: se gana el aplauso de toda la población. Cuando Machín cumple 20 años, su mayor deseo es cantar ópera. Aunque no tarda en comprender la imposibilidad de su anhelo siendo mulato, su repertorio quedaría reducido a Otelo, estudia bel canto. Animado siempre por su madre, quien fue en parte culpable de inculcarle el amor por la música, el padre veía su actividad como propia de personas de no muy buena vida. No quería que su hijo fuera cantante porque se decía que los cantantes eran unos chulos.

A pesar de las trabas el joven Antonio llegó a La Habana en 1926. Empezó cantando en los cafetines de entonces junto con un guitarrista llamado Manuel Zaballa. La reputación del dúo fue creciendo entre los señores, cuyas fiestas animaban. Pero el destino del artista estaba en una emisora a la que acudió a cantar. Allí coincidiría con Don Azpiazu, quien no dudó en contratarlo para que integrara en su orquesta como segundo cantante y cantara en el Casino Nacional de La Habana. Comenzaba así su carrera profesional en la música. Sin dejar de actuar con Don Aspiazu, fundó en compañía de Antonio un sexteto, que pudo hacer sus primeras grabaciones en 1929 y a partir de los medios de la época las victrolas de cuerda y la radio que empezaba a desarrollarse− consiguió un éxito inmediato. Su primer gran éxito fue "Aquellos Ojos Verdes", al que siguió "El Manisero". Puede destacarse de esta época que fue el primer artista negro que canto en el Casino Nacional de La Habana, lugar muy exclusivo, frecuentado por la burguesía más exquisita.

A partir de 1930 viviría en el extranjero y no volvería a la isla de Cuba hasta 1958, en abril de 1930 Antonio Machín llega a Nueva York, integrando la orquesta de Don Azpiazu. Estuvo cuatro años, formando parte de otras muchas agrupaciones (José Escarpenter y su Orquesta, Orquesta Antillana de Rafael Hernández, Julio Roque y su Orquesta, Armando Valdespí y su Orquesta, además de las dirigidas por él mismo: la Orquesta Machín y el Cuarteto Machín). A pesar de su presencia constante en los escenarios neoyorquinos, en donde era famoso desde que popularizó «El Manisero» de Moisés Simons y donde grabó una enorme cantidad de discos a lo largo de la primera mitad de la década del treinta, se marchó a Europa en 1936. Estuvo brevemente en Londres (actuando en el teatro Adelphya) y luego llegó a París, ciudad en la cual la presencia de la música cubana era muy fuerte desde finales de los años veinte. Formó una agrupación llamada Antonio Machín y su Orquesta, con Moisés Simons al piano, con la que grabó ese mismo año de 1936 y también con la Orquesta de Eduardo Castellanos. El cantante se enamoró de una francesa, Line. Con ella y con su orquesta realizaría una gira por Suecia. Estuvo a punto de instalarse en Estocolmo, pero el frío le hizo volver a París.

Machín llegó a España, país natal de su padre, donde inicia una nueva vida y donde vivirá hasta su fallecimiento en 1977. Ya desde la década de los veinte tenía un hermano que vivía en Sevilla, Antonio llega de vacaciones, en 1939, tratando de escapar de la guerra mundial y se encontró con la realidad española más dura y pobre, con la guerra civil recién acabada. Llegó con el saxofonista dominicano Napoleón Zayas, con quién intentó alistarse para ir al frente y luchar contra Hitler, hasta que se dieron cuenta que no era una guerra en la que tuvieron competencia. Se quedó en Madrid y se casó en 1943, en la ciudad de Sevilla con María de los Ángeles Rodríguez, a donde trajo a parte de su familia. Actuó en algunas salas de fiestas como Shangai (llamada, tras el cambio de nombres extranjeros por nombres castellanos, Sala Bolero), cobrando veinticinco pesetas diarias. El primer éxito que tuvo en España fue Noche triste, un fox melódico grabado con los Miuras de Sobré, orquesta que acompaño a Machín en sus primeros éxitos y de la que después se desligo. Otros de sus primeros éxitos fueron Como fue, Moreno, Amor Sincero, etc,. Aunque en 1947 llegaría su gran éxito, en España. Se trata del inolvidable Angelitos negros. En principio fue una canción morisca, que con los arreglos musicales a finales de la década de los sesenta, convirtió en un gran bolero.

Dos compositores importantes en su carrera, fueron el cubano Oswaldo Farrés: autor de temas como Madrecita, Toda una vida, No me vayas a engañar, Quizás, quizás, quizás, Ay de mi... y la mexicana Consuelo Velázquez: autora de Bésame mucho, Será por eso y Amar y vivir. Mención aparte merece la única versión de la cubana Isolina Carrillo, que convirtió en uno de sus grandes éxitos, Dos gardenias. En España, ya con más de sesenta discos grabados y con su "Cuarteto Machín", le llega la consagración gracias a una adaptación absoluta al país como lo demuestra la frase, muy citada, de que se trataba de "El más cubano de los españoles y el más español de los cubanos". En España, Machín encuentra todo lo que buscaba y le gustan especialmente Madrid, Sevilla (donde encontró el amor) y Barcelona, donde actuó por primera vez al llegar a España y en la actualidad se le recuerda con un monolito en la Plaza Vicenç Martorell del Distrito de Ciutat Vella, al lado de la Plaça de Bonsuccés, donde pensaba trasladarse a vivir justo antes de su muerte. Empezó prácticamente desde abajo y llegó a ser testigo y banda sonora de las historias de amor de los españoles en unos tiempos difíciles, su popularidad fue creciendo hasta ser idolatrado como lo eran las grandes estrellas de la copla, sus canciones pasaron a ser parte de la memoria sentimental de varias generaciones a través de la radio, el único medio existente para dar a conocer la música del momento, uno de los pocos entretenimientos que habían en aquella época.

Paradójicamente, Machín fue muy bien acogido en una España monolítica y poco acostumbrada a la diversidad de razas, se convirtió en un mito marcando la moda musical con sus boleros, con su estilo tan personal de cantarlos y con su voz, fue llamado "su majestad el bolero", también se decía de él que cantaba con el corazón en los labios, e incluso entró en el refranero popular con el dicho "Te mueves más que las maracas de Machín", prueba de que su arte llegó a la esencia del pueblo llano. En Alcalá de Guadaira (Sevilla) el 7 de junio de 1977 salió muy agotado de escena y no pudo regresar. Fue su última actuación. Machín falleció en Madrid el 4 de agosto de 1977, en su casa de la calle General Mola, a los 74 años de edad y descansa en el Cementerio de San Fernando de Sevilla, donde sus compatriotas y familiares le recuerdan cada año rociando su tumba con ron cubano y cantando alguno de sus boleros. El 10 de diciembre de 2006 se inauguró una estatua en su memoria en Sevilla, obra del escultor Guillermo Plaza Jiménez, ubicada en la Plaza Carmen Benítez del Barrio de Nervión de Sevilla, la imagen sevillana de Machín custodia y mira hacia la Hermandad de Los Negritos, a la que el cantante cubano estuvo muy vinculado, además una calle de Sevilla lleva su nombre. El 22 de abril de 1981 se le rindió un gran homenaje en un concierto en el que participaron cuatrocientos artistas de diversos estilos que se celebró en el Palacio de los Deportes de Barcelona. En el Museo de la Música de su ciudad natal se atesoran muchas de sus pertenencias: sus maracas, claves y algunos de sus discos, además de fotografías suyas y de los familiares.

Fuente: elartedevivirelflamenco.com




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lunes, 15 de octubre de 2012

Exitos de 1965 - CD EMI (1989)

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Efemérides de aquellos años

Política: Cinco catedráticos, expulsados de la Universidad. Entre ellos, José LuisArangu-
ren, Agustín García Calvo y Enrique Tierno Galván.
Comienzan los bombardeos norteamericanos en Vietnam.
Rodhesia se declara independiente bajo el gobierno blanco de tan Smith.
Muere Wlnston ChurchiH.

Sociedad: En la Fiesta de la Primavera de Sevilla, se presentan en sociedad 62 debutan¬tes. Entre ellas, Pepa Flores,Marisol.
Mueren Nat King Cote y Carolina Otero (La Bella Otero).
Se clausura el Concilio Vaticano //
Histórico apagón en Estados Unidos. La noche del 9 de noviembre, treinta millones de norteamericanos pasaron catorce horas sin servicio eléctrico. Nueve meses después, las maternidades de ta zona tuvieron que hacer horas extras para recibirlos niños nacidos a causa de una noche sin televisión.

Sucesos: Eleuterio Sánchez es condenado a muerte por el asesinato de un guarda duran¬te el robo a una joyería. La pena de muerte te fue conmutada por la de cadena perpetua. Los toreros Paco Camino y Manuel Benítez, El Codobés, se enfrentan a puñetazos en et ruedo de Aranjuez, durante una corrida de toros.

Deportes: Manolo Santana gana en Forest Hills. En su tercer título del Grand Slam, des¬pués de haberganado en el 61 y en el 64 Roland Garros. En el 66ganará Wimbledon. Guillermo Timoner gana por sexta vez el título mundial de ciclismo en medio fondo, tras moto.

Fuente: Contraportada interior




domingo, 14 de octubre de 2012

Exitos de 1962/63 - CD EMI (1989)

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Efemérides de aquellos años

Política: Congreso del Movimiento Europeo en Munich: La propaganda franquista io bautiza como el "Contubernio de Munich" y condena a ios participantes españoles. Ejecución de Julián Grimau, dirigente comunista, que provoca tremendas protestas en to¬do el mundo contra el régimen español.
El presidente Kennedy es asesinado, en noviembre del 63, en Dallas.
La justicia israelí condena a muerte a Adolf Eichman, uno de los máximos responsables del exterminio judío. Ei jefe de las SS había sido localizado y secuestrado en Argentina.

Sociedad: Toma ta alternativa un nuevo fenómeno de la tauromaquia: Manuel Benítez, el Cordobés.

Sucesos: Se abre en Alemania el proceso por el caso de tatidomida, la medicina "milagrosa " que trajo al mundo amiles de niños con malformaciones.
Envenenamiento masivo en Orense, por fabricación de bebidas con alcohol metílico: 51 muertos y numerosos casos de ceguera.
5 de octubre de 1962. Se suicida MarUyn Monroe por una ingestión de barbitúricos. Al
lado de su cuerpo se encontró un teléfono descolgado.

Deportes: Di Stefano es secuestrado en Venezuela por una organización extremista.

Fuente: contraportada interior del disco




viernes, 12 de octubre de 2012

ALAN PRICE - LP (1977)

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INFO:

Alan Price (Fatfield, Reino Unido, 19 de abril de 1942); es un teclista, cantante, compositor y actor británico.

Fue fundador del grupo The Alan Price Rhythm and Blues Combo en 1961, que tras la entrada de Eric Burdon en 1962 cómo cantante sería rebautizado como The Animals, banda de rhythm and blues eléctrico que alcanzaría gran fama durante los años 60.

Los comienzos y The Animals

Músico autodidacta, a los diez años ya comenzó a tocar los teclados, la guitarra y el bajo eléctrico.

Forma en 1961 The Alan Price Rhythm and Blues Combo que desmbocará en 1962 en el célebre grupo The Animals con Eric Burdon (voz), Hilton Valentine (guitarra eléctrica), Chas Chandler (bajo eléctrico) y John Steel (batería). La fama llegará al grupo gracias a la versión de la canción folk americana The House of the Rising Sun (tema con el que conseguirán ser el segundo grupo de la British Invasion en conseguir un número 1 en las listas de ventas de Estados Unidos). I´m Crying (escrita por Burdon y Price) y Don’t Let Me Be Misunderstood serán también grandes éxitos en las listas inglesas y americanas.

Alan y el Wurlitzer electric piano

Su instrumento preferido será el piano eléctrico Wurlitzer. Es de características similares al Fender Rhodes pero con una mayor densidad de sonido cuando es escogido un sonido agresivo y un tono más campaneante cuando se pretende tocar a modo de piano eléctrico.

El estilo de Alan Price será muy original en la escena rock del momento, tendiendo siempre hacia un estilo un tanto "jazzy". Demostrará gran conocimiento del acompañamiento armónico manteniéndolo en un sutil segundo plano pero sacando un sonido brillante, basado en arpegios, en los solos.

Trayectoria en solitario

Por tensiones internas de la banda Alan anuncia el 5 de mayo de 1965 su marcha de The Animals.

Tras la separación y una pequeña crisis nerviosa pasará algún tiempo acompañando a Bob Dylan durante su gira Don´t Look Back UK tour por el Reino Unido, así aparecerá inmortalizado junto al artista americano en el célebre documental de D.A. Pennebaker.

Ya en 1965 formará su nuevo grupo Alan Price Set con Clive Burrows y Steve Gregory (saxos), John Walters (trompeta), Pete Kirtley (guitarra eléctrica), Rod ‘Boots’ Slade (bajo eléctrico), y ‘Little’ Roy Mills (batería), grupo con un estilo mucho más influido por el Jazz. Con esta formación Alan se estrenará como cantante y sacará dos discos destacables, The Price to Play en 1966 y A Price on his Head en 1967. Durante esta época Price cambiará de estilo al dejar el piano eléctrico y volver al piano acústico. Dos éxitos importantes que conseguirá con esta formación serán Simon Smith And The Amazing Dancing Bear y The House That Jack Built, con los que alcanzará el número 4 en las listas de ventas de Inglaterra.

A finales de 1967 disolverá el grupo para emprender una carrera en solitario. Esta independencia le permitirá desarrollar un estilo más personal y al margen de las modas hippies del momento. Importante será la colaboración con el músico Georgie Fame, con el que grabará el disco Fame and Price / Price and Fame / Together .

A partir de 1970 también realizará la música de los musicales Home y Brass Band Man y la de series de televisión como Fame Is The Spur, World’s End, y The Further Adventures Of Lucky Jim.

Durante los años 1980 y los 90 seguirá componiendo y grabando discos de alta calidad, como Liberty en 1989. En 1990 formará un grupo con Zoot Money y Bobby Tench llamado Alan Price and the Electric Blues Company, con el que sacará un disco en 1993 titulado A Gigster’s Life For Me.

En la primera década del siglo XXI Alan Price sigue teniendo una carrera activa, componiendo, grabando y realizando conciertos.

Alan Price y el cine

Price tendrá una estrecha relación con el cine. Fue actor en films como Alfie Darling, dirigida por el realizador británico Ken Hughes en 1975, y escribió la banda sonora de varias películas, como The Whales Of August en 1985.

Este contacto con el cine fue propiciado por el director británico Lindsay Anderson. Resultado importante de esta relación es la banda sonora de O Lucky Man! (1973), película dirigida por Anderson cuya banda sonora es escrita por Price, que aparece al mismo tiempo interpretando la música en el film (por esta película recibirá un premio BAFTA y una nominación al Oscar). En 1982 compondría la música para otro film de Anderson, Britannia Hospital.

Fuente: Wikipedia


Alan Price - LP (1977)


sábado, 14 de julio de 2012

Los Stop (1966-1969)



Uno de los más populares grupos que en los años 60 nacieron en la Ciudad Condal fue Los Stop. Lo suyo eran las canciones alegres, refrescantes, sin complicaciones, con una buena dosis de pachanga y alejadas de cualquier veleidad moderna.

El grupo se forma hacia 1964 con el nombre primigenio de Donald Duck y su principal reclamo era la guapa chica que tenían como cantante, autobautizada Cristina, aunque su verdadera nombre es María del Carmen Arévalo. Poseía una potente voz de gran fuerza y timbre descarado que pronto la hizo destacar. Como todo conjunto en formación sufre cambios y se va fogueando en bailes y fiestas populares. En 1966 la casa Belter se fija en ellos tras ganar un concurso radiofónico. Pero el nombre no gusta a sus nuevos jefes y es cambiado por Los Stop, que al fin y al cabo era una de las pocas palabras inglesas entendidas por el común de los españoles. Para entonces, el conjunto lo integran, además de Cristina, Joan Comellas, Josep María Serra, Andrés Gallego y Fernando Cubedo. Belter era por entonces el sello que albergaba los intérpretes más populares para un público de escasas exigencias estéticas. Su objetivo de marca era casar lo cañí y lo moderno en un solo producto. Por allí andaban, entre otros, Conchita Velasco, Los 4 de la Torre, Los 3 de Castilla y su gran estrella, Manolo Escobar.

El primer disco de Los Stop contiene cuatro versiones de éxitos internacionales: “El Último Tren a Clarksville / El Forastero Mr. James / Catedral de Winchester / Un Hombre y una Mujer” (Belter, 1966). Se escucha bastante por radio y ayuda bastante al despegue del grupo.

Enseguida van a ganar el Festival de Fortuna, un evento de segunda fila con la canción “Casi Nada” (Belter, 1967). El sello se da cuenta que tiene entre las manos un excelente negocio y saca al mercado discos y más discos de Los Stop. Algunos de estos discos traen grabaciones repetidas, pero en apenas unos meses se convierten en un conjunto puntero.

Ese mismo año van a conseguir dos éxitos consecutivos de grandes proporciones: “Tres Cosas (Salud, Dinero y Amor)” (Belter, 1967) y “El Turista 1.999.999” (Belter, 1967), con el que participarán en el Festival de Mallorca. Ambas competirán por el título de canción del verano y venderán ejemplares a porrillo. Precisamente por el último de los citados recibirán el Premio de Cultura Hispánica, a pesar de haber pasado a los anales como una de las canciones más horteras de la historia de la fonografía española. Por si todo este trajín festivalero y discográfico fuese poco, participan en la película “Pero en qué País Vivímos” (José Luis Sainz de Heredia, 1967) en el que hacen de grupo de acompañamiento de Conchita Velasco.

Hace falta tener buenos pulmones y dicción de metralleta para meter veinte sílabas en dos compases; sin embargo, Cristina lo conseguía en su inefable “El turista 1.999.999” diseñada a mayor gloria del turismo desarrollista patrio. Cómo sería la cosa que al grupo le concedieron el Premio de Cultura Hispánica, algo así como el marchamo oficial de la cultura patriotera de la época. A punto estuvo de ganar el Festival de Mallorca, 1967 con un jurado compuesto por capitostes hoteleros y concejales de festejos de los principales municipios baleares. La canción es para enmarcarla como uno de los iconos del kistch nacional. Mala de solemnidad, pero como había que hacer patria, se vendió la mar de bien.

El contrapunto figuraba en la cara B con una versión aseada en las voces y grimosa en la instrumentación del “Happy together” de los californianos The Turtles.

“Salud, dinero y amor” con este single, Los Stop van a vender lo que no está en los escritos. ¿Quién no ha cantado alguna vez esta canción? Nº 1 absoluto de ventas durante una semana y casi canción del verano 67 para este tema compuesto por Rodolfo Sciamarella, que ya había compuesto antes para este grupo “El turista 1,999,999”. La canción tiene un acompañamiento tan pobre como alegre y Cristina hace la interpretación llena de descaro que el tema requiere. Fue un auténtico referente comercial de los 60 y su ocurrente letra sirve lo mismo para gestionar una crisis, que para celebrar un triunfo.

En la cara B, Los Stop nos proponen un nuevo baile llamado “El remo”, con el órgano presidiendo las operaciones, como en casi todos los temas del grupo. Un ritmo navegable, cuyos pasos son fáciles de imaginar para una mente tirando a calenturienta.

Fabrican discos como churros, destacando su buena versión de “Molino al viento”, original del italiano Little Tony. En enero de 1968 ponen en la calle su primer largo: “Los Stop” (Belter, 1968).

Los Stop van a cerrar su prolífico y gran año 1967 con este EP que aporta tres interesantes temas a su discografía y que viene completado por el buque insignia de su repertorio: “Salud, dinero y amor”, a la que se modifica ligeramente el título respecto a su primera edición. Probablemente se trata del EP más completo de toda su carrera.

Buena versión del buen tema “Molino al viento”, que popularizó el italiano Little Tony y que va como anillo al dedo a las características vocales de Cristina. Un buen tema comercial que siempre me gustó especialmente por su contagiosa alegría y su estribillo pegadizo. También fue grabada por Los Mustang; sin embargo, esta vez Los Stop lo bordaron.

Vuelven a ser serios aspirantes al disco del verano con: “Yo te daré". Son dos años trepidantes en los que el conjunto no tiene ni un día libre.

Los Stop versioneaban todo lo versioneable y no dejaron pasar la ocasión de hacer su propia lectura del aclamado triunfo eurovisivo patrio. Con ese “La, la, la” encabezaron este sencillo; sin embargo pocos iban a reparar en este asunto, por otro lado muy parecido en voces y arreglos a la versión de Massiel. La sorpresa esperaba en el otro lado. La canción elegida para cara B iba a convertirse en uno de los hitos del grupo y, de paso, en una de las más escuchadas en aquella primavera-verano de 1968.

“Yo te daré” es un tema popular del folclore gallego que ellos reciclan en una pachanga pop con todos los aditamentos de las charangas festivas. La habitual voz potente, coros a piñón fijo, vientos de verbena y una nueva visita de Cristina y sus chicos a los puestos de honor del hit parade.

A finales de ese año surgen algunas desavenencias y la atractiva Cristina lo abandona. Algunos de los chicos siguen en el barco y aún grabarán algún disco más con una nueva cantante llamada Miriam. Por esa razón su vocalista y líder no puede usar el nombre que ella más que nadie ha contribuido a difundir, formando el grupo Cristina y Los Tops. Pronto comenzará una larga carrera en solitario.

Los Stop en sus dos años de trepidante existencia fueron la avanzadilla de otros grupos catalanes de pachanga y música fácil que triunfaron justo cuando ellos se iban, como fueron Los Diablos, Los Albas y un largo etcétera. La actividad destajista a la que se vieron sometidos los quemó con gran rapidez sin permitirles ningún tipo de evolución.

Fuente: Julián Molero - Lafonoteca.net

Los Stop - Yo Te Daré



Los Stop - Tres Cosas


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jueves, 12 de julio de 2012

JOAN MANUEL SERRAT (1965-2012)



Joan Manuel Serrat nació el 27 de diciembre de 1943 en Poble Sec (Barcelona), en el seno de una familia obrera de la postguerra española.

Cursó estudios de Perito Industrial a la vez que tocaba la guitarra. En 1964 se presenta en un programa de Radio Barcelona para interpretar una de sus canciones. Poco tiempo después le llaman para ofrecerle un contrato y grabar su primer disco.

La historia musical de Joan Manuel Serrat comienza con este EP. Gracias al director del programa Radioscope de Radio Barcelona, Salvador Escamilla, Serrat contacta con Josep Espar i Ticó. Josep era el fundador del, por entonces, pequeño sello Edigsa en el cual grababa a artistas que cantaban en catalán. Como podemos comprobar en la portada Joan Manuel ya pertenecía a Els Setze Jutges siendo el decimotercer miembro de este colectivo del que salieron cantantes tan capitales como Maria del Mar Bonet, Lluis Llach, Francesc Pi de la Serra o Guillermina Motta.

Para su grabación Serrat cuenta con la ayuda de Marc Blond, como director de orquesta, y Salvador Gratacòs, que ejercería como director técnico de sus primeras grabaciones.

En este EP nos podemos encontrar las heridas sentimentales dejadas por los amores adolescentes. Aquél que recordamos por un simple objeto como en el caso de “El mocador”, o del sabor agridulce al ver que se aleja de nosotros sin que podamos hacer nada como en “Ella em deixa”. Tema que es la primera composición de Serrat. Ambas canciones serán recuperadas en el recopilatorio “Encontre” (Edigsa, 1980).

Para completar este EP nos encontramos con las canciones más personales. “Una guitarra”, el tema más difundido de esta grabación, nos habla de los sentimientos que le produjo cuando su padre le compró su primera guitarra y de lo que hasta esos momentos vivió con esa amiga fiel; y “La mort de l’avi”, su particular homenaje al mar y a los marineros con cierta crítica social. Estos dos temas serán incluidos en su primer largo “Ara Que Tinc Vint Anys” (Edigsa, 1967).

Una Guitarra - El Mocador - La Mort de Lávi - Ella em Deixa - Serrat

Al año siguiente acaba sus estudios de perito agrónomo y se matricula en la facultad de ciencias biológicas, en la cual cursó hasta tres años. Graba un segundo EP “Ara Que Tinc Vint Anys” (Edigsa, 1966). Debido al gran éxito obtenido, Serrat se decide finalmente por la canción.

Joan Manel Serrat - Ara que tinc vint anys (1967)

Serrat fue uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la 'Nova Cançó' catalana. En 1968 se anuncia que Serrat será el representante de España en el Festival de Eurovisión, con el tema 'La, la, lá', un guiño de la dictadura a las nuevas generaciones rebeldes. Pero esas generaciones no se dejan comprar fácilmente y Serrat anuncia que no actuará si no le permiten cantar en catalán, lo que le valió un prolongado veto en la televisión nacional. Su puesto en el Festival fue cubierto por una jovencísima Massiel que se llevó el premio con el mismo tema de Serrat. En 1969 nace su primer hijo, Queco y realiza su primera gira por sudamérica, repitiendo un año después. Publica un disco titulado 'Dedicado a Antonio Machado' y en 1970 'Mi niñez'.

Después de una triunfal gira por Latinoamérica, Serrat rápidamente entra a grabar un nuevo disco, esta vez cantado en castellano. El salto cualitativo respecto a su anterior trabajo en este idioma es considerable ya que nos encontramos a un Serrat mucho más maduro y seguro de sí mismo. Es el último de la primera etapa que contó con arreglos y dirección musical de Ricard Miralles, no volverían a reencontrarse hasta 1974 en el disco “Canción Infantil” (Zafiro / Novola, 1974). Pero antes de esto aquí nos dejo un magnífico trabajo.

Este álbum está lleno de clásicos de la discografía serratiana, quizás por encima de todas la más conocida sea “Señora”. Tema vigoroso y vitalista nos presenta a un Serrat truhán y mordaz que canta a una suegra. Una suegra que representa a los valores tradicionales de la dictadura y es presentada burlonamente con un texto rebosante de ironía. No será el único tema que nos presente al Serrat más incisivo ya que también está en “Muchacha típica”, caricatura de una niña aristócrata llena de humor, o “Fiesta” ejemplo de unificación de las clases sociales para al final volver a la hipocresía con la que viven habitualmente.

Señora - Joan Manuel Serrat 1970


También nos encontramos con las canciones más autobiográficas e íntimas. Con una de ellas comienza el álbum, la homónima "Mi niñez". En ella recuerda a sus mascotas, los veranos en Aragón o esos primeros amores. En contraposición tenemos "Si la muerte pisa mi huerto", donde se pregunta cómo será el mundo cuando fallezca pero sin sonar derrotista, tema muy influenciado por la chanson francesa. También sobre la muerte y la huida habla en "Cuando me vaya". Pero si en discos pretéritos la huida significaba una búsqueda de libertad aquí hay más dramatismo en sus palabras.

No podían faltar canciones sobre las relaciones sentimentales, y aquí nos podemos encontrar con "Los debutantes", sobre los primeros juegos amorosos; y "… De cartón piedra", sobre una pasión arrebatadora donde Serrat por primera vez introduce elementos musicales sudamericanos que serán más habituales en su posterior carrera. "Como un gorrión" es un tema dedicado a una muchacha que en Madrid se presentó ante Serrat con esas palabras. Aquí el Nano nos canta las desventuras de una chica para abrirse paso en el mundo del espectáculo de una manera dulce en contraposición a lo que se ronda por ese mundo.

Mi Niñez - Serrat 1970

A finales de 1970 se encierra en el Monasterio de Montserrat, en Barcelona, junto a un buen puñado de intelectuales y artistas, en señal de protesta por el proceso de Burgos y en contra de la pena de muerte.

En 1971 publica uno de sus discos más importantes: 'Mediterráneo'. Para entonces Serrat se había convertido en uno de los principales símbolos de la libertad, tanto en España como en América Latina.

¿Qué decir de un álbum del que ya se ha dicho todo?. De un disco en el que, en general, tanto crítica como público siempre ubica en los puestos más altos de las listas de los mejores discos de la historia de la música española. Algo inusual pero es que este “Mediterráneo” (Zafiro / Novola, 1971) tiene una fuerza del que es imposible escapar. Fue largo y difícil el camino. Cansado de todas las presiones sufridas en los años anteriores Serrat emprende una gira por Latinoamérica que dura cinco meses. Durante dicha gira ve el cariño recibido por el pueblo latinoamericano en sus conciertos y se encierra durante unos meses para componer estos diez temas. Diez temas que son la esencia de Serrat. En ellas encontraremos sus deseos y anhelos, sus pensamientos y su estilo de vida, su pasado y su esperado futuro. “Mediterráneo” (Zafiro / Novola, 1971) es Joan Manuel Serrat.

Mediterráneo - Joan Manuel Serrat 1971

Un año después vuelve a rendir tributo a uno de los grandes poetas de las letras hispanas: 'Miguel Hernández' es el título. Finalmente, en 1974 se le retira el veto en Televisión Española.

En 1975, a raíz de unas declaraciones suyas, tuvo que exiliarse durante un año, debido a la orden de busca y captura que se emitió contra él. Además, muchos de sus trabajos fueron retirados y censurados con el régimen.

En 1981 publica 'En tránsito', con el que consigue situarse en lo más alto de las listas españolas.

"En Tránsito" (Ariola, 1981) supone el reafirmamiento del camino tomado en "1978" (Ariola, 1978) y "Tal Com Raja" (Ariola, 1980). El título, como podemos ver en la foto con Serrat en un aeropuerto, indica el tiempo pasado en aviones, coches y demás medios de locomoción en los viajes de las giras y demás, más que indicar un período de cambio. El álbum tuvo un gran éxito llegando a ser número uno de ventas, más que por el disco en sí por los grandes singles que tuvo.

No hago otra cosa que pensar en ti - Joan Manuel Serrat 1981

En 1983 sale a la luz 'Cada loco con su tema' y realiza una gran gira por Sudamérica excepto en Chile, donde es censurado por Pinochet.

Con este "Cada Loco Con Su Tema" (Ariola, 1983), aún siguiendo en la línea continuista de los últimos discos, Serrat se vuelve más esperanzador y vitalista. Es un álbum alegre y vivo que mejora notablemente los resultados con respecto a grabaciones anteriores. También mejora a nivel instrumental, no en la ejecución sino en eliminar los excesos instrumentales de canciones pasadas. Para contribuir más a este cambio destacar la portada hecha por el pintor Manel Anoro.

Cada loco con su tema - Serrat 1983

Tras Antonio Machado y Miguel Hernández, el siguiente escritor que musicaliza es al poeta uruguayo Mario Benedetti que colabora con el cantautor en la grabación. El resultado es "El Sur También Existe" (Ariola, 1985) que tendrá un especial para RTVE con guión de Manuel Vázquez Montalbán y la colaboración especial del periodista Fernando García Tola. Tras la extensa gira por toda Latinoamérica Serrat decide pasar unos meses descansando en Brasil. En ese tiempo graba el disco “Sinceramente Teu" (Ariola, 1986) en el que incluye revisiones de antiguos temas del cancionero serratiano en portugués y cuenta con la ayuda de músicos locales como Toquinho, Gal Costa, Caetano Veloso o Maria Bethânia.

El Sur También Existe - Serrat 1985

A su regreso graba el álbum "Bienaventurados" (Ariola, 1987) que también alcanza el puesto más alto en las listas de ventas en España. A pesar de ser un éxito de ventas fue el primer disco discutido seriamente por la crítica pero si por algo es destacable esta grabación es por ser la última del tándem artístico Serrat-Miralles. Participa activamente en el Plebiscito nacional chileno de 1988 a favor del no. Dicho plebiscito con la consiguiente victoria del no, condujo a Chile de retorno a la democracia.

Bienaventurados - Serrat 1987

"Nadie Es Perfecto" (Ariola, 1994) es el segundo álbum del Serrat de los 90, es el disco que graba después de un año sabático.
Antena 3 emite el concierto, con motivo del lanzamiento de dicho disco, que el Nano da en el Palacio de Congresos de Madrid. Para celebrar su quincuagésimo cumpleaños, recibe un homenaje en forma de tertulia organizada por la Cadena SER y la librería madrileña Crisol. Dicho encuentro reunió a destacados miembros de la cultura, el periodismo y las artes. Para pocos meses después participar en otro homenaje, a Ovidi Montllor que fallecerá al año siguiente. En dicho evento participaron además del Nano, Francesc Pi de la Serra, Raimon, Maria del Mar Bonet, o Marina Rossell entre otros.

Nadie Es Perfecto - Serrat 1994

En 1996 se une a Victor Manuel, Ana Belén y Miguel Ríos para realizar una gira por toda España en el espectáculo titulado 'El gusto es nuestro', obteniendo un éxito apoteósico en todas las ciudades en las que actuaron.

"El Gusto Es Nuestro" era el nombre de una gira proyectada por Víctor Manuel en en que él y otros tres intérpretes -en un principio, Miguel Ríos, Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina- cantasen temas emblemáticos del resto de compañeros. Sabina finalmente no participó y en su lugar apareció Ana Belén, añadiendo un contrapunto al conjunto masculino. Esto lo acercaba al modelo ya hecho dos años antes en "Mucho Más que Dos", concierto, posterior gira y doble álbum de Víctor y Ana en el que se acompañaron para interpetar sus canciones con otros artistas, incluyendo sus dos compañeros en esta gira. Sin embargo, aquí la cosa era distinta, pues el modo en que se ideó aseguraba la equidad presencial y el protagonismo de todos y cada uno de los componentes en algún momento, ya fuese por su presencia o porque cantaban alguna canción suya. Lo que ahora se llama paridad. Esto queda representado en la portada en la que los nombres de los cantantes se muestran en orden distintos al que aparecen en la fotografía.

Hoy puede ser un gran dia - Ana Belen, Miguel Rios, Victor Manuel y Joan Manuel Serrat 1996

El resultado final de esta gira fue un enorme éxito que les llevó incluso por Latinoamérica. El disco vendió igualmente miles de copias y supuso un acotecimiento musical y discográfico de aquella época. Víctor Manuel, el ideólogo, también publicó libro, el diario de gira, de éxito. Posteriormente Víctor y Ana repitieron una experiencia similar con "Dos en la Carretera" y Miguel y Ana volvieron a grabar juntos un álbum, "Cantan a Kurt Weill" (RCA, 1999).

Tras unos años de altibajos en el lanzamiento de discos, Serrat graba el notable "Sombras de la China" (Ariola, 1998). Un álbum dedicado a su amigo Tete Montoliú que pocos meses antes había dejado este mundo. En él con la inestimable ayuda de Josep Mas “Kitflus” explota todos los pros de trabajos previos para lograr un disco homogéneo y notable que cuya presentación en directo es un espectáculo interactivo algo nunca visto en el barcelonés. La gira será extensísima por lo que Joan Manuel se tomará un largo descanso a su finalización. Seguramente uno de los momentos que más recordará el Nano ese mismo año es cuando en los actos conmemorativos del centenario de la fundación de su equipo, el F.C. Barcelona, Serrat canta el himno desde el césped del Camp Nou.

Más que a nadie - Serrat 1998

Por fin, después de muchos años el maestro Miralles vuelve a trabajar con Serrat en los arreglos y la orquestación de los temas que componen el álbum, 'Versos en la boca', del año 2002, una colaboración que décadas atrás produjo verdaderas obras maestras de la música española.

El álbum se inicia con toques flamencos. Para ello Serrat cuenta con la inestimable ayuda del Niño Josele a la guitarra, en un tema que compuso junto al escritor barcelonés Tito Muñoz. "De cuando estuve loco" abre un disco de búsqueda de uno mismo, de una exploración interna en busca de sus propias sensaciones. No será el único tema no compuesto exclusivamente por él. El corte que cierra este disco "Señor de la noche" está escrito por el poeta granadino Luis García Montero y "La mala racha" coescrito con el escritor uruguayo Eduardo Galeano.

Es caprichoso el azar - Serrat con Noa

Un año más tarde, en el 2003, aparece "Serrat Sinfónico". Serrat sinfónico es un proyecto que Joan Manuel Serrat tenía pensado desde hace tiempo: una selección de algunas de sus canciones más significativas grabadas con una gran orquesta sinfónica. Con arreglos y dirección de Joan Albert Amargós y acompañado por la Orquesta Sinfónica de Barcelona i Nacional de Catalunya, Serrat ha revisado canciones como Mediterráneo, Cantares, Canço de matinada, Pare, Mi niñez... y un Ara que tinc vint anys (Ahora que tengo veinte años) rebautizado como Fa vint anys que dic que fa vint anys que tinc vint anys (Hace veinte años que digo que hace veinte años que tengo veinte años).

El único directo oficial que habíamos podido disfrutar del cantautor barcelonés fue "En Directo" (Ariola, 1984) por lo cual se hacía casi imprescindible grabar otro concierto más. Pero esta vez tendrá a su disposición una orquesta para sí solo que funcionará de compañía y de modo introductorio en todos los temas. El álbum fue grabado con la Orquesta Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya los días 8, 9 y 10 de Septiembre de 2003 en L'Auditori de Barcelona, amén de contar también con su amigo Ricard Miralles al piano.

En él Serrat incluye temas donde repasa toda su carrera, nos podemos encontrar su primer gran éxito "Cançó de matinada", la incombustible "Mediterráneo" o la lorquiana "Cantares". La canción que más llama la atención es "Herido de amor". Dicho tema está compuesto por Serrat con la letra de un poema de Federico García Lorca pero nunca había sido grabada por él; sino que se lo cedió a Ana Belén para su disco"Lorquiana. Poemas de Federico García Lorca" (Ariola, 1998). Aquí lo podemos escuchar por primera vez de su boca.

Fat vint anys que tinc vint anys - Serrat 2003

En el 2006 Serrat vuelve a lanzar un nuevo disco en catalán, "Mô". Contiene 12 canciones propias y cuenta con el valor añadido de un DVD con 9 canciones del álbum en versión acústica y comentarios personales. "Mô" es un homenaje a Mahón, ciudad con la que Serrat mantiene una estrecha vinculación, no solo por que allí pasa largas temporadas, si no también por que es el lugar donde han nacido muchas de sus creaciones musicales. "Mô" es un álbum variado, "sonoro y cacofónico" según el propio Serrat, una colección de historias que hablan de ciudades y de amigos, de mares y mujeres, de complicidades y recuerdos, de encuentros y huídas, volando por encima de músicas, idiomas y generaciones.

Mô - Serrat 2006

En 2007 se une con Joaquín Sabina en la gira "Dos Pájaros de un Tiro" (BMG, 2007). Para ello ninguno de ellos renuncia a sus músicos más allegados, aquellos en los que más confían y que siempre salen de gira con ellos. Gente como Pancho Varona, Ricard Miralles, Antonio García de Diego, Víctor Merlo, etc. que han girado con ambos artistas durante un montón de años.

Aquellas pequeñas cosas/Ruido/El muerto vivo - Serrat con Sabina 2007

El concierto está grabado lo días 18, 19 y 20 de octubre de 2007 en el Palacio de los Deportes de Madrid y tiene como contenido extra un DVD con un documental sobre los entresijos de la gira y una parte de dichos conciertos.

Pero Serrat no para y sigue igual de ambicioso que siempre. Debido al gran éxito logrado con la gira "Dos Pájaros de un Tiro", Serrat y Sabina vuelven a salir a la carretera para hacer otra gira juntos. Pero esta vez no cantarán sólo temas antiguos sino que su nuevo disco "La Orquesta del Titanic" (Sony, 2012) se compone exclusivamente de temas compuestos para la ocasión.

Canción de Navidad - Sabina y Serrat 2012

Fuentes: Varias, en especial: Lafonoteca.net


JUAN MANUEL SERRAT - La Paloma - LP- (1969

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jueves, 31 de mayo de 2012

Juan Pardo (1969-2001)



El 6 de enero de 1969, Juan Pardo debutó como cantante solista. Después de haber compartido escenarios con Los Vándalos, Los Pekenikes, Los Brincos y de Antonio Morales, con el que formo el extraordinario dúo Juan y Júnior. Triunfó total. Juan salió al escenario bien arropado por un grupo estupendo, entre quienes se encontraba el magnifico batería Manolo Varela, el guitarra sensacional, Berry...

Juan Ignacio Pardo Suárez nace en Palma de Mallorca, un 11 de noviembre del año 1942, Juan nace en la bella isla mallorquina que es cuna de artistas; es gallego de adopción y con raíces en esta artística "Tierra celta" por parte materna y lo que siempre se obvia: tiene conexiones con Andalucía (Cádiz) a través de la familia paterna D. Carlos Pardo, su padre.

El inicio de la carrera artística de Juan, se sitúa en el año 1962.

Y comenzó, además, siendo un " rockero ": primero en solitario, luego perteneciendo a grupos como "Los Vándalos" , "Los Relámpagos", "Los Pekenikes", "Los Brincos" y "Juan y Júnior".

Después de su breve (pero muy exitosa) pertenencia al dúo artístico "Juan y Júnior", independizado de "Los Brincos", pronto empiezan las desavenencias con Júnior por motivos de diferencias de carácter y decide lanzarse a una carrera en solitario, los críticos dijeron a la separación del dúo: " ...La carrera en solitario de Júnior está más que clara... pero la de Juan Pardo presenta muchas incógnitas..." (?????). Muy curioso e interesante este comentario, visto lo sucedido después.

Juan Pardo con Los Relámpagos 1963

De acuerdo con el historiador José Ramón Pardo, cuando por primera vez Juan Pardo acudió al estudio de grabación con Los Pekenikes (todavía un grupo vocal), el grupo no había informado a la compañía, Hispavox, del cambio de cantante, lo que dio lugar a una curiosa anécdota. Al cabo de un buen rato de grabación, el director artístico de la compañía llamó aparte a Alfonso Sainz, líder de la banda, y le dijo: "Mira, volved a llamar a Junior. Ese chico que habéis traído no sirve para cantante y jamás hará carrera". Por supuesto, "ese chico" era Juan Pardo y, por cierto, finalmente no cantaría en el disco. Eso le permitiría grabar con Philips un disco con su banda, Los Teleko (Juan Pardo y su conjunto), aunque finalmente no tocarían ellos, sino los omnipresentes Relámpagos.

Después del EP grabado con Los Relámpagos, también en 1963, Los Pekenikes cuentan con Juan Pardo como vocalista. Aquí incluyen versiones de famosos éxitos internacionales, como “Da doo ron ron” o “La bamba”, así como una adaptación de uno de los primeros éxitos de The Beatles, “She loves you”.La letra de “Ella te quiere”, da bastante el pego.

Los Pekenikes con Juan Pardo 1963

Pero en solitario, en el año 1969, logra con "LA CHARANGA", con una duración de 6 minutos, (nada normal para un single, de la que existe una versión en gallego y otra en castellano), un éxito que no se esperaba, y que fue el inicio de una carrera en solitario que llega hasta nuestros días. Muchos otros intentaron este camino con mayor o menor éxito, pero éste fue el año de Juan Pardo, nadie logró superarle en las listas de éxitos en este mismo año (1969), aparece su primer trabajo de larga duración, el LP: "JUAN PARDO", editado por Zafiro, y producido por David Pardo (nada que ver con su familia), era un productor inglés que se apellidaba así por pura coincidencia y fue más una imposición de la casa de discos, ante un artista novel y en principio poco experimentado, y todo hay que decirlo, ni la propia discográfica confiaba mucho en él.

Juan Pardo - La Charanga 1969

Disco que es una verdadera "joya" en su sencillez y frescura, imposible de encontrar hoy día: Con temas como "Busca un amor" (compuesto para FÓRMULA V, aunque Juan presenta aquí su propia versión con letra distinta) "Barcelona", "Canciones", "Mi Lady" (una preciosa "nana"), "Flamenco blues", etc., Juan, estaba a la búsqueda de su propio estilo, en este disco.


Durante el año 69-70, también realizó un espectáculo músico-teatral en Madrid, con Karina figura en alza por aquella época y de la que incluso existe algún tema grabado a dúo. Como todo lo de esta época, difícil de localizar.

El Ritmo De La Lluvia - Juan Pardo y Karina

Le sigue el Long Play "SOLEDADES" en el 71, en el mismo sello, con temas tan acertados como "Un año más", "Quise por querer" y la canción título del LP.

Soledades - Un Año Más - Juan Pardo

Durante el 69 y 70, lanza varias canciones en formato de "single" que, escalaron lo más alto de las listas de aquélla época y que fueron muy populares, como: "Cuando te enamores", "Toros en Méjico", "Meu Ben Dorme", "A Marián Niña", "Leonor"...

Cuando Te Enamores - Juan Pardo

En 1972 lanzó el LP "Natural" fue no de los mejores discos de la dilatada carrera de Juan Pardo, la portada, completamente blanca, con la única excepción del nombre del autor y del título del disco troquelado en negro, así como el folleto interior que incluía las letras de las canciones, representaban otra novedad en el mercado discográfico español. También era el primer disco que editaba el sello Erika, del que el propio Juan era copropietario.


CARA A:
I AM (Prologue) 1:50
NATURAL (I) 3:00
WHERE IS LOVE? 3:03
MY ONE WAY FRIEND, JOANNE 3:03
HOW'S THE WORLD 2:15

CARA B:
COME BACK 5:20
HIROSHIMA 3:35
COUNT ON ME 2:26
NATURAL (II) 3:13


Letra y Música: Juan Pardo

Dirección Musical: Adolfo Waitzman y Reg Guest
Ingeniero de Sonido I.B.C.: Michael Claydon
Ingeniero de Sonido Trident: Robin Geoffrey Cable
Técnico de la cortadora de Trident: Bob Hill

Natural - Juan Pardo 1972

Así mismo, durante esta época (principios de los 70), se dedica a promocionar y lanzar a nuevos artistas, con canciones aportadas por él en muchos casos, demostrando su generosidad y el poco miedo a la competencia, entre los que se encuentran Marisol, Andrés Do Barro, Camilo Sesto, Juan Camacho, Emilio José, Peret ("El borriquito")... y más adelante (en los 80): Iván, Los Pecos, etc. En el 71 cambia de sello al terminar su contrato con Zafiro, quedando pendiente alguna cláusula que impide reeditar ciertos discos de la época.

Una vez firmado con Ariola, publica en el año 73: "MY GUITAR", mítico disco de Juan haciendo pop & rock; también cantado en lengua inglesa. Este álbum contenía otro buen puñado de canciones. Y para arropar el LP, dos singles con canciones del mismo ya en versión española: 'María Magdalena' y 'Mi guitarra', probablemente una de las canciones más celebradas del intérprete. Cualquiera que haya vivido en España en 1973 por fuerza habrá oído varias veces la canción. No obstante, no he podido constatar que ocupase el número uno de alguna lista de éxitos. Por el contrario, 'María Magdalena' llegó al número uno de la lista de la revista Hit Parade, durante dos semanas en octubre de 1973, concretamente los días 6 y 13 de ese mes y además tendría una versión en 1974 en la voz de Manolo Galván.

My Guitar - Juan Pardo 1973

Ése mismo 1973 (sello Ariola), aparece otra "rareza" en forma de 45 rpm, la canción "ADIOS A MARIQUIÑA", grabada en castellano y gallego, que se trata de un poema de Rosalía de Castro musicado por Juan. Se sigue intentado colocar éxitos en el mercado anglosajón y en el año 74, edita el LP "CONVERSATIONS WITH MYSELF", de nuevo (y siempre a partir de ahora), producido por Juan y cuya canción-título, editada en sencillo en versión española ("Conversaciones conmigo mismo"), le dio un éxito aquél año. Aquí termina la trilogía de obras en inglés, con clara orientación al pop y al rock y al mercado anglosajón.

Conversaciones Conmigo Mismo - Juan Pardo 1974

En 1974 la lista de Los 40 Principales vio a Conversaciones conmigo mismo', en su versión española, en el número uno (singles) durante 12 semanas, entre el 28 de septiembre y el 14 de diciembre. Sirva como ejemplo ilustrativo que, desde aquella fecha, la canción que más tiempo estuvo en el número uno de esta lista, fue 'Too much heaven' de Bee Gees, que llegó a las 8 semanas.

"Conversations with myself" se publicaba once años después del primer EP de Juan Pardo. Con este disco cerraba el círculo. El rock que lo había alimentado desde la adolescencia abría paso a otras vías de expresión, al tiempo que significaba una gloriosa despedida y, a mayor gloria del autor, la grabada en español e inglés. Cierto es que la versión inglesa se ha perdido en el tiempo, ante el tirón de la española.

Al año siguiente (75) lanza un disco muy importante, pues es la obra que marca el inicio de una nueva etapa, le lleva hasta nuestros días: "HOTEL TOBAZO", donde decide que quiere ser un compositor y cantante en español y romántico, pero con "amaneramientos" bebidos del pop y del rock (que nunca abandonará a lo largo de toda su carrera posterior), haciendo de él un artista único y personal en la música, como pocos. Este trabajo cuenta con los arreglos y teclados de Eduardo Leiva (habitual en los próximos discos) y las guitarras de Tony Obrador (Otro Ex-Pekenike) y los coros de Mª Luz Casal (¿os suena el nombre?), y Ana Oz (del dúo Ana & Johnny, muy conocido por aquella época).

Hotel Tobazo - Juan Pardo 1975

El 18 de abril, tiene lugar el Musical Mallorca '75. Las figuras más representativas del panorama musical español protagonizan la gala, aunque fuera de concurso: Los Diablos, Massiel, Peret, Donna Hightower, Junior, Fórmula V, Mari Trini, Luis Aguilé, Tony Ronald, Cecilia, Julio Iglesias y Danny Daniel, además del propio Juan Pardo, que realizó una interpretación sobervia de 'Conversaciones conmigo mismo', con una primera parte en inglés y el final en español. Además ese día presentaba la canción 'Quédate', del inminente LP "Hotel Tobazo".

No hay que olvidar su obra "CALYPSO JOE" (75), "ADIOS JAMAICA", "AGUA" disco que se recrea en los ritmos Calypso Jamaicanos. Ya totalmente de moda en todo el mundo musical, donde colaboran el grupo de viento "Los Comodines", que Juan ayudaba a lanzar por aquélla época.

Adiós Jamaica - Juan Pardo 1976

En el año 76, graba un particular homenaje a su tierra de adopción, Galicia, tan presente de una manera u otra, en toda su carrera (pasada y futura), el Lp cantado íntegramente en gallego "GALICIA MIÑA NAI DOS DOUS MARES", musicando poemas de autores gallegos antiguos y contemporáneos, con una sola excepción, la canción que da título al disco y con otra anécdota: se autoriza a Juan a grabar el Himno de Galicia ("Himno Galego").

Galicia Miña Nai Dos Mares - Juan Pardo 1976

Entramos en 1976 y son momentos de importantes transformaciones en nuestro país a todos los niveles. La sociedad española se convulsionaba desde el 20-N del año anterior con el fin de una era que había durado cuarenta años, a la vez que vislumbraba un futuro político tan incierto como esperanzador.
Centrándonos en la música pop, hay que resaltar la progresiva pérdida de protagonismo de la controvertida 'Canción del verano' que agoniza como el régimen que la vio nacer. Son los años de la desaparición de los pocos grupos que habían resistido la criba inicial. Los Bravos, Fórmula V, Los Diablos, Los Ángeles... y tantos otros que habían protagonizado la década prodigiosa, veían publicarse sus último discos.

Justo unos meses antes del siguiente LP, lanza un single con temas no incluidos posteriormente en ningún disco: "Eso le ha pasado a todos", y "A tus pies madame".

Eso le ha pasado a todos - Juan Pardo 1977

Después de grabar en Inglaterra el disco "AMOR MÍO" (año 77), finaliza su contrato con Ariola y se edita el obligado "GRANDES ÉXITOS" (año 78). El álbum "Amor Mío" contiene dos de sus mejores temas de esta época: "Mi Herida" y "Amor Mío".

Mi Herida - Amor Mío - Juan Pardo 1978

Aquí acaba su época con Ariola y se plantea su carrera y decide romper con todo. Cambia de arreglista (hasta ése momento Eduardo Leiva), de músicos, de imagen y casi de todo: Así que, tres años después, lanza el disco "JUAN, MUCHO MÁS JUAN" (en nueva casa Hispavox), título nada engañoso, consecuencia de sus palabras anteriores y donde ya domina plenamente el estilo musical que comenzó con "Hotel Tobazo". Con este disco, efectivamente, se presenta un nuevo Juan, (con "toques" en la instrumentación "tecno") componiendo, produciendo e incluso cantando, de forma diferente.

Los temas "Amar después de amar" y "No me hables, no me hables", consiguieron un éxito fulgurante y tremendo, en España, Hispanoamérica e incluso el segundo título escaló puestos en las listas ¡Alemanas! (¡hasta llegar al 12!).

Amar Después De Amar - No Me Hables - Juan Pardo

Juan, siempre cree tener una deuda espiritual con su "Madre Tierra Gallega" y es por lo que, en el año 1997, le dedica íntegramente un doble compacto ("ALMA GALEGA"), de gran venta (se declaran más de 125.000 ejemplares, lo que al ser un disco doble, lo convierten en más de 250.000 unidades, lo que para España, es mucho, tratándose de una obra cantada en gallego en su totalidad), interpretado en su lengua materna (su madre, Dña Aurelia, era gallega) y que se recrea, en tonadas tradicionales de la tierra, y canciones propias compuestas a lo largo de su dilatada carrera, junto a otras de nueva factura. Grabado entre España (Madrid y Galicia) e Inglaterra, contando con colaboraciones de otros artistas, ligados al proyecto por espíritu, más que tratarse de un disco de "dúos"; entre los que cabe citar a Juan Manuel Serrat, Paloma San Basilio, Gwendal y Amancio Prada, entre otros.

Ahora vienen dos de los discos más vendidos (y exitosos, por tanto) de la carrera de Juan: en el año 82: "BRAVO POR LA MÚSICA" (del que se llegaron a vender 600.000 copias), grabado de nuevo en Inglaterra (Snake Ranch Studio), con el viejo conocido Colin Green y con la flor y nata de los músicos sesión británicos: A destacar a Gavin Wright (sección de cuerda) y a Kornell Kovach (de origen húngaro) en los teclados. Y en el Año 83, el doble LP más exitoso aún (precisamente por ser doble): "CABALLO DE BATALLA"; donde realiza el primer contacto artístico con Rocío Jurado, en forma de dúo vocal realizado en dos temas y grabado casi íntegramente en el estudio Gramola, instalado en su casa de Boadilla del Monte; para el que adquirió en subasta (y usó por tanto en la grabación), dos piezas de leyenda para cualquier músico popular: El piano que usaron Bee Gees en muchos de sus temas más famosos y la mesa de mezclas de 16 pistas, que John Lennon, usó para grabar su famoso LP "Imagine". Era una buena época creativa de Juan... como lo fue la época de "La Charanga" y la de "My Guitar".

¡Bravo Por La Música! - Caballo De Batalla - Juan Pardo

Puestos a completar su lista de "herramientas" usadas por músicos famosos, también comentaré (aunque él es muy poco mitómano), que además posee una guitarra del legendario Eric Clapton y otra, que le regaló Mark Knoffler (Solista del grupo Dire Straits).

En el año siguiente (84), hace las "paces musicales" con Fernando Arbex y editan un LP compuesto al "alimón" por ambos ("UN SORBITO DE CHAMPÁN") y realizado en un tiempo récord; tanto es así que preguntando los periodistas cómo habían tardado tan poco, Juan respondió: "...Hemos tardado casi 20 años en hacerlo". Vuelve a grabarse en los estudios Snake Ranch londinenses y con músicos muy conocidos, de nuevo Gavin Wright dirigiendo la sección de cuerda y Charlie Morgan a la batería (más tarde músico habitual de Elton John).

Un Sorbito De Champagne - Juan Pardo

En el año 85 edita en single el tema "Ciudadanos del Mundo... (Abrid los brazos)", dedicado a las personas deficientes mentales, producido por él y arreglado por Eduardo Leiva. Tema al que Juan le tiene un especial cariño y que no falta en sus conciertos a partir de entonces.

El año 85 lo salda con un disco doble grabado en directo ("PARDO POR LA MÚSICA"). Muy recomendable para aquellos que no han visto nuca a Juan en directo y también para los que sí lo han hecho, pues refleja lo mejor posible, tratándose de una grabación, el ambiente de comunicación con el público, "su público", comunicación que continúa hoy día, sin perder un ápice de intensidad.

También por el año 1985, colabora en un disco benéfico (descatalogado desgraciadamente), cantando una Sevillana, la dedicada a la "Puerta de Toledo",

Y ya en el 86 lanza: "QUÉ TIENES EN LA CAMA" con colaboraciones de Los Chunguitos (en el tema que da título al disco y que tiene aires de rumba, pero eso sí, al estilo de Juan) y Mari Trini. Con diseño de portada de Tony Luz (de nuevo un Ex-Pekenike) y un viejo conocido de cuando tocaba la batería con "Juan & Júnior": José Mª Moll", actuando aquí como ingeniero de sonido y componiendo a medias el tema "Otra vez", lanzado en single aquél mismo año. Y así llegamos hasta el disco "MIRAME DE FRENTE" editado a la caída de l987.

Mírame De Frente - Juan Pardo

En el año 1989, edita unos de los mejores trabajos de su carrera "GALLO DE PELEA", en el año 1990, el disco que gusta por su humanidad cotidiana "UNO ESTÁ SOLO" y en el año 1991, el espiritual "ME COMPRÉ UNAS ALAS".

Juan, termina el año 92, con un recopilatorio doble, en forma de grandes éxitos, titulado "SINCERAMENTE JUAN", donde recoge temas del inicio de su carrera en solitario, dos de ellos, vueltos a grabar en gallego ("A Charanga" y "Anduriña") y un tema nuevo "Lo Nuestro Muere"; que pasó desapercibida, enterrada por todos sus grandes éxitos, fin que no se merecía por su belleza y calidad.

Llegamos a 1993, año que ve la luz una de sus obras más completas "LA NIÑA Y EL MAR", trabajo de impecable composición, interpretación, arreglos y producción, en el que el músico, llamado por todos "Maestro", José Antonio Quintano tuvo mucho que ver, como en sus dos trabajos posteriores. Aunque sólo sea por dotar a las canciones de Juan de una nueva dimensión sonora y textura, ciertamente excepcional.

Durante el año 1994, compone, produce (y colabora en un dúo vocal: la hermosísima canción "Blanca Paloma"), el nuevo disco de Rocío Jurado (Sello CBS-SONY): "PALABRA DE HONOR", compuesto íntegramente por él, arreglado y dirigido por José Antonio Quintano y con los músicos habituales de Juan en aquélla época, además del propio Quintano a los teclados y programaciones: Manolo Toro al bajo y Juan del Cerro y Gerardo Núñez (estrella naciente) a las guitarras. Interpretado con un gusto musical exquisito y de nuevo con Gavin Wright como violín solista de la London Session Orquestra, que también participa. Disco que se puede atribuir, tanto a la carrera de Rocío, como a la de Juan y en que Rocío Jurado demuestra que posee una potente y nítida voz, ciertamente envidiable, cuando dispone de buen material.

Con la edición, en el año 95, de la obra "AÑO NUEVO" se cierra la trilogía de estrecha colaboración en discos, con J.A. Quintano.

Año Nuevo - Juan Pardo

A principios del año 99, Juan sorprende con un gran disco "PASIÓN POR LA VIDA", que es, un poco, como volver a sus inicios, de canciones más potentes, ritmos más acelerados, menos baladas, en fin, se podría decir que "más cañero".

Pasión Por La Vida - Juan Pardo

El año 2000, definitivamente, no fue un año bueno para Juan, por motivos que no vienen al caso comentar, pero sí diré que fue en el año que se renovó contrato con EMI.

En 2001 se puso a la venta el nuevo proyecto discográfico de Juan, denominado "TRIGENERACIÓN", trabajo ambicioso y con significado muy "especial" para Juan, por lo que representa: un resumen de su carrera con Los Brincos, con Juan & Júnior y en solitario, que abarca, justo Tres Generaciones: años 60, 70 y 80, pero "revisitados": vueltos a grabar con arreglos nuevos, pero intentando no perder su "color" y "sabor" original... ya saben.. el de aquéllas viejas grabaciones de los años 60, sobre todo, que tenían aquél sonido tan especial: lleno de glamour y único, con ése encanto juvenil y ganas de hacer, de músicos que estaban empezando a crear la Historia Moderna de La Música Popular Española...


JUAN PARDO - 15 DE COLECCIÓN

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